Película recomendada: Camino (2008)

Yo también pido

Por todos aquellos que exigen a sus hijos orar y agradecer a una deidad todo lo que pasa en sus vidas.
Por todos aquellos miembros de sectas que viven apartados en su realidad enfermiza.
Por todos aquellos que niegan a sus hijos la amistad y el amor de otras personas.
Por todos aquellos que encuentran frívolo y pecaminoso escuchar música o actuar en una obra de teatro.
Por todos aquellos que atemorizan a sus semejantes con quimeras referentes a una religión.
Por todos aquellos prohíben a sus pequeños soñar con una vida diferente.
Por todos aquellos que sienten envidia de una persona moribunda.
Por todos aquellos que creen que ir en taxi no es apropiado para visitar a un ser querido a punto de morir.
Por todos aquellos que aplauden, como si de un espectáculo se tratara, la muerte de un ser bellísimo.
Por todos aquellos que dan gracias porque sus hijos tengan una enfermedad terminal.
Por todos aquellos que creen que la muerte es un regalo divino.

Yo también soy creyente, comparto con Fernando Trueba entre otros mi devoción por Billy Wilder. Así que por todos aquellos a los que he nombrado, rezo y pido, y sólo le pido al señor Wilder una cosa:

 Que ojalá os taladren el recto con un martillo neumático.

Después de esta reflexión, hablemos un poco de la película.

Nos encontramos ante una magnífica cinta dirigida por Javier Fesser que arrasó en los premios Goya llevándose 6 estatuillas incluyendo la de mejor película. El film es una auténtico drama sobre una niña de 11 años perteneciente al Opus Dei que debe afrontar dos sentimientos bien distintos: la muerte y el amor.

El film, inspirado en una historia real, nos muestra la cara más radical e introvertida de los seguidores del Opus, pero también nos da una lección de humanismo y fe, por parte de una niña inolvidable.

En el apartado técnico, el film cuenta con un estupendo guión, bastante duro, pero a su vez muy hermoso.

El plantel de actores es magnífico, destacando a la jóven Nerea Camacho y a Carmen Elías, merecedoras sin lugar a dudas de sus estatuillas a mejor actriz revelación y mejor actriz respectivamente.

Camino es un bello y crudo film sobre la fe y la sumisión, sobre la esperanza y el amor, pero también sobre el miedo y el sacrificio sobre un ser superior.

Que nadie nos malinterprete, no pretendemos burlarnos ni acometer sobre la gente religiosa, respetamos cualquier creencia y no pretendemos ofender a nadie, pero no estaría de más que le diesen una oportunidad a esta cinta. Quizás puedan tener otra visión sobre el "opio del pueblo"...

Y

El cine dogma

¿Que es el cine dogma?
Corría el año 1995 cuando los directores Lars Von Trier y Thomas Vinterberg, entre otros, lanzaron unas normas para hacer un tipo de cine más simple en el aspecto técnico y con mayor énfasis en el aspecto dramático.
Aquí os dejo esas normas:

1. El rodaje debe realizarse en exteriores. Accesorios y decorados no pueden ser introducidos (si un accesorio en concreto es necesario para la historia, será preciso elegir uno de los exteriores en los que se encuentre este accesorio).
2. El sonido no debe ser producido separado de las imágenes y viceversa. (No se puede utilizar música, salvo si está presente en la escena en la que se rueda).
3. La cámara debe sostenerse en la mano. Cualquier movimiento -o inmovilidad- conseguido con la mano están autorizados.
4. La película tiene que ser en color. La iluminación especial no es aceptada. (Si hay poca luz, la escena debe ser cortada, o bien se puede montar sólo una luz sobre la cámara).
5. Los trucajes y filtros están prohibidos.
6. La película no debe contener ninguna acción superficial. (Muertos, armas, etc., en ningún caso).
7. Los cambios temporales y geográficos están prohibidos. (Es decir, que la película sucede aquí y ahora).
8. Las películas de género no son válidas.
9. El formato de la película debe ser en 35 mm.
10. El director no debe aparecer en los créditos.

Bien dicho esto, solo decir que de las películas consideradas dogma que he visto, solo tres han cumplido con estas normas, ya que utilizan sus propias normas mas como recurso cinematográfico al servicio de lo que cuentan, olvidándose de algunas cuando le vienen en gana.

Os pongo como recomendación personal tres películas que si cumplen con estas normas:




-Celebración (festen), (Thomas Vinterberg, 1995)
Los Klingenfeldt, una familia de la alta burguesía danesa, se dispone a celebrar el sesenta cumpleaños del patriarca, un hombre de trayectoria y reputación intachable. Pero tres hermanos muy diferentes están dispuestos a contarlo todo.

Bien, magnifica película que recuerda un poco al angel exterminador de Buñuel, por el destroce que hace a la clase social alta, muy provocadora esta primera película del revolucionario movimiento cinematográfico Dogma, fue multripremiada y muy alabada por la critica, muy recomendable.

-Los idiotas (Lars Von Trier, 1998)
Un grupo de jóvenes comparte un mismo interés: la idiotez. Con una casa de campo como base, pasan su tiempo libre juntos explorando los ocultos y poco apreciados valores de la idiotez. El grupo se dedica a enfrentar a la sociedad con sus idioteces. Karen, una mujer solitaria y reservada, se une al grupo después de participar involuntariamente en una de sus actuaciones.

Provocadora al máximo, la película plantea varias cuestiones morales, como el valor de las posesiones o de si esta bien o mal engañar a los demás aunque no los perjudiques, con escenas muy explicitas, un micro que se ve como 40 veces, hasta se puede ver perfectamente a un cámara grabando, sexo explícito y la idiotez llevada al limite, para una primera hora sorprendente por su propuesta atrevida y un desarrollo algo monótono.
 

-Rompiendo las olas (Lars Von Trier, 1996)
Al comienzo de los años 70 una ingenua joven, Bess (Emily Watson), que vive en una pequeña comunidad de la costa norte de Escocia, se enamora de Jan (Stellan Skarsgård), un hombre mundano que trabaja en una plataforma petrolífera. A pesar de la oposición del entorno, una rígida comunidad puritana, Bess y Jan se casan. Tras la boda, él vuelve a su trabajo, mientras que Bess cuenta los días para su vuelta, convencida de que su amor está bendecido por el cielo, especialmente porque piensa que puede comunicarse mentalmente con Dios. Pero un día Jan sufre un terrible accidente.

Película durísima, una bella historia del amor en una sociedad puritana que no comprende los sacrificios que se puede hacer por amor, muy dura, y también muy provocativa como todo lo que suele hacer Lars Von Trier.

J

Grandes trilogías del cine: "Trilogía de la venganza", de Park Chan-wook

En esta nueva sección del blog, vamos a analizar diversas trilogías (o sagas) que han marcado un antes y un después en la historia del cine, ya sea reciente o antigua.

La trilogía que vamos a analizar (y recomendar, por supuesto) es la llamada "Trilogía de la venganza", del director surcoreano Park Chan-wook, compuesta por las películas: "Sympathy for Mr. Vengeance", "Oldboy" y "Sympathy for Lady Vengeance".



Las tres películas no comparte ningún nexo argumental, es decir, podemos empezar a ver la trilogía por la tercera película sin problemas (aunque desde aquí recomendamos que se haga por órden cronológico). No comparten nexos argumentales, pero si que comparten un mismo tema central: la venganza. Park Chan-wook crea tres historias protagonizadas por extraños individuos que buscan la venganza como único sentido de su vida. Las tres historias son oscuras, retorcidas, espeluznantes, dónde la sed de sangre y la crueldad de sus protagonistas  derroca cualquier convencionalismo. Pasemos, sin más dilación, a analizar los tres films:

Sympathy for Mr. Vengeance (2002)

"Un jóven sordomudo busca desesperadamente una gran cantidad de dinero para poder comprar un riñón en el mercado negro para su hermana enferma".

Esta primera parte de la trilogía es quizás la más tosca, la menos lírica por así decirlo. Narrada con una violencia enfermiza, Park Chan-wook recrea un relato tan trágico como esperpéntico, dónde la venganza es la única vía de escape para unos personajes tan atormentados que son capaces de hacer lo que sea con tal de ver la cabeza de sus enemigos en bandeja de plata.

El film cuenta con grandes actuaciones, prevaleciendo sobre todo la del jóven Shin Ha-kyun, en el rol de jóven sordomudo.

Oldboy (2003)

"Un hombre es secuestrado y encerrado en una habitación con un televisor. Después de 15 años es liberado sin ninguna explicación. Tan sólo una llamada le advierte que tiene cinco días para poder vengarse".

Esta segunda entrega es con gran diferencia la más aclamada tanto por el público como por la crítica, prueba de ello es que se alza con el Gran Premio del Jurado del festival de Cannes.

La película, basada en un cómic de Nobuaki Minegishi, explora los sentimientos más oscuros y enfermizos del ser humano, narrando a golpe de martillazo las miserias de personas que son tanto víctima como verdugo en este inquietante relato. Destaca el fenomenal papel de Choi Min-Sik en el papel protagonista.

Sympathy for Lady Vengeance (2005)

"Una mujer sale de la cárcel tras 13 años en prisión por el secuestro y asesinato de un niño de 6 años. Cuando por fin logra salir, sólo puede pensar en una cosa: la venganza."

En este tercer y último film de la trilogía, el director surcoreano narra con brillantez el relato más poético y lírico de los tres, pero también con el argumento más retorcido y doloroso de todos, en el cual la bella Lee Young-ae realiza una magistral interpretación.

La película puede parecer a algunos la más suave de las tres partes, pero no es así. Park Chan-wook tramsforma con maestría un relato sórdido y cruel en una bella fábula sangrienta, que pone un broche de oro a una trilogía tan espectacular como poco convencional.

En resumen, podemos afirmar que esta "Trilogía de la venganza" es un documento de culto dentro de la filmografía más reciente. Agradará a algunos y otros la tacharán como basura, pero desde luego no dejará indiferente a nadie. Como siempre, recomendamos que vean estas fascinantes películas, tres trepidantes thrillers cargados de intriga, sangre, y sobre todo, de mucha venganza.

Y

Ciudadano Kane, las dos caras de la moneda

En 1941, en plena 2ª Guerra Mundial, un jóven llamado Orson Welles dirige y protagoniza una de las películas más controvertidas de la historia del celuloide, un film que con el paso de los años ha contado con seguidores de los cuales muchos dicen que es la mejor película jamás filmada, pero también ha contado con un numeroso grupo de cinéfilos que sostienen en que es una película sobrevalorada. Esta película es ni más ni menos que "Ciudadano Kane", y en el artículo de hoy vamos a analizar dos puntos de vista muy diferentes, las dos caras de una misma moneda.

La cara, por Y

Para un humilde servidor, SI nos encontramos ante una obra maestra. Motivos hay cientos para que algunos consideremos "Ciudadano" Kane un auténtico hito en la historia del cine:

En primer lugar, alabar al gran Orson Welles por su extraordinario trabajo tanto delante como detrás de las cámaras. Welles dirigió, protagonizó y confeccionó el guión del film con tan solo 24 años, una proeza que pocos (o nadie) han llegado ni siquiera a igualar. El guión es rompedor, hasta esa fecha nadie había probado a empezar a contar una película por el final, algo sencillamente vanguardista en 1941. Por otro lado, la lección moral que nos brinda Welles es tan simple como eficaz: “el dinero no da la felicidad”. Por último, el empleo de un excelente”macguffin”, o sea, un elemento de suspense que no tiene vital importancia para la trama, en principio.

Por ello, y por muchas mas cosas, creo que se puede considerar a "Ciudadano Kane" una obra capital del cine.

La cruz, por J

Me aburroooo....
Como buen amante del cine no debería pronunciar estas palabras sobre esta película.
Sí, sé que es sacrilegio, para por muchos la mejor película de la historia, que para mi no es la mejor ni de su año, (por ahi andaba John Ford con la magnífica "Qué verde era mi valle") ni la de su director, ("Sed de mal" me parece muchísimo mejor película, por ejemplo) ni muchos menos de la historia. Si he de reconocer todos sus méritos, rompió moldes en la forma de contar una historia, su valentía al retratar la vida de un magnate en aquellos tiempos, en dónde Orson Welles podría haber acabado en la hoguera de la particular caza de brujas norteamericana.
Aún así, si la película hubiese sido hecha hoy en día pasaría desapercibida y solo a un pequeño sector le llamaría realmente la atención.

En fin, he aquí las opiniones de uno y otro. ¿Con cuál se quedan? ¿Es realmente Ciudadano Kane una de las mayores obras cinematográficas de la historia? ¿Es la mejor película que jamás han visto? ¿Creen, por el contrario que es una buena película pero que está muy sobrevalorada? ¿Acaso creen que es un auténtico bodrio?

Opiniones hay muchas, aquí hemos expuesto solo dos, pero les animo a que dejen sus impresiones y las compartan con nostros. Y a quien no haya visto aún esta controvertida película, desde aquí les animamos a que lo hagan y puedan comentarnos lo que les pareció.

J & Y

Película recomendada: 4 meses, 3 semanas, 2 días (Cristian Mungiu, 2007)

El verdadero drama del aborto 

Rumanía, durante los últimos días del comunismo. Otilia y Gabita son estudiantes y comparten habitación en una residencia en Bucarest. Gabita está embarazada. Las jóvenes acuerdan un encuentro con un tal Mr. Bebe en un hotel barato, para que le practique un aborto... 


El mayor mérito de la película consiste en no ser partidista de nada, no te da a entender que esté a favor o en contra del aborto, pero sí te cuenta de una forma realista y neutral el drama de una estudiante a la que le practican un aborto en la habitación de un hotel, un médico un poco cabrón.

Los riesgos que conlleva ponerte en manos de un medico sinvergüenza que solo busca dinero y favores sexuales, aprovechándose de la desesperación de la chica que le urge abortar.

Como en la película no pienso manifestarme ni a favor ni en contra del aborto, puedo entender a ambas partes, pero jamás podría saber lo que siente una mujer cuando se decide a abortar, así que no soy quien para decidir si es lo correcto o no, supongo que como todo en esta vida, dependerá del caso que sea.

Recomiendo esta película como reflexión de un problema que existe, y que miramos para otro lado, eso si, la mayoría posicionándose a favor o en contra.

J

Película recomendada: Doce hombres sin piedad (1957)

Doce tipos encerrados en una sala

¿Se puede hacer una obra maestra con tan sólo 12 personajes encerrados en una habitación durante todo su metraje y cuya única actividad consiste en hablar?

Yo creo que si, y esta cinta es una muestra de ello.

Porque para hacer un peliculón no hace falta un argumento creible, ni una historia convincente, ni siquiera contar con un gran plantel de actores (exceptuando a Henry Fonda, los otros no son demasiado conocidos en este film), sólo se necesita ingenio y ganas de hacer una obra de arte, y en este aspecto el señor Lumet vió la luz.

Cuando empecé a verla, francamente, me esperaba una cosa distinta: un atípico drama judicial, con una resolución complicada y mucho dramatismo. ¿Acaso este no lo es? Puede que sí, pero tiene algo que pocas películas me han podido mostrar: una lección moral increible y una crítica brutal a los prejuicios del ser humano.

La persona es una máquina imperfecta, que cree que todo lo puede solucionar sin hacer caso a esa vocecita que se llama conciencia, sólo mediante pruebas y hechos creemos que todo lo podemos solucionar y, amigos, eso no es así. Existen distintos puntos de vista, distintas maneras de pensar, y en esta película se nos muestra de una manera soberbia. Las dudas a veces pueden hacernos reflexionar bastante, y si son razonables aún mas.

Una lección ética que debería ser de obligada visualización en las escuelas.

Y

Mis dos buenos amigos Jay y Bob

Un día me eche dos nuevos amigos, uno de ellos un hombre de pocas palabras llamado Bob y otro que no calla, llamado Jay.

Los conocí en un supermercado(Clerks 1994), mientras Dante, un amigo de ellos se tenía que quedar a trabajar aquel día.
Ya desde ese momento me sorprendieron, Jay no callaba, recuerdo aquello que dijo "Me follo una tía, me follo otra... ¡¡me follo todo lo que se mueva!!" (en verdad no mojaba nunca) y el pobre de Bob siempre tan callado, solo lo escuche hablar una vez aquel día "el mundo está lleno de tías buenas, pero no todas te traen lasaña al trabajo, sólo te ponen los cuernos" hombre de pocas palabras, pero grandes verdades.


La siguiente vez que los vi fue en el centro comercial (Mallrats 1996), cuando Brodie y T.S. deprimidos por que le han dejado sus respectivas novias deciden evadirse visitando el centro comercial. Nos dejo con frases como "Superman sólo podría follar con Superwoman, y aún así tendría que ponerse un condón de kriptonita", o esa trágica historia del avión.
"Mi primo Walter se masturbó en publico una vez, os lo aseguro, iba en un avión a Nuevo México y de repente el sistema hidráulico se estropeó, el avión empezó a dar vueltas fuera de control, pensó que todo se había acabado, se la sacó y empezó a machacársela allí mismo, los otros pasajeros siguieron su ejemplo, también se la sacaron y se la menearon como él, todos estaban masturbándose con el avión llevándoles a una muerte segura cuando de repente...
el sistema hidráulico se arregló y el avión recuperó el control, aterrizó sin problemas, todo el mundo se guardó su respectivo aparato y desembarcaron. Nadie mencionó el fenómeno a nadie nunca"


Ehh que los buenos de Holden McNell y Banky Edwards han hecho un comic sobre ellos (Persiguiendo a Amy 1997) y nuestro Holden se ha enamorado de otra dibujante.
Ellos aqui se mantienen un poco mas al margen, ya que la cosa es mas seria que otros días, pero eso si, aconsejaran a su amigo Holden en un bar, como tiene que ser.




Una tarde el mundo se iba a acabar (Dogma 1999) dos ángeles con palos de hockey patines y con mucha mala leche tienen pensado destruir el maravilloso mundo de Jay y Bob, solo Linda Fiorentino puede impedirlo, así se lo dijo el Metatron equipado anatómicamente como el muñeco ken (el de barbi), como única descendiente de cristo.
Y bueno hay están jay y bob como unos profetas que ayudaran a Linda en todo lo que puedan, y claro con tan negro panorama las dudas existenciales le corroen a nuestro amigo Jay.
"Una bomba o algo parecido va a explotar, ¿follarías con nosotros?".

Un día Jay y Bob el silencioso descubren que su viejo amigo, Banky Edwards, les ha vendido, (Jay y Bob el silencioso contraatacan 2001) el comic que hicieron sobre ellos se lo an vendido a Hollywood para que creen una película y artos de ser criticados en foros de internet deciden viajar hasta allí para sabotear la producción.
Dejaron un mensaje, no lo leáis si sois personas sensibles:
Mamones de mierda, lo vais a pagar, habláis mucho pero sois unos lamecojones, nos follaremos a vuestras madres mientras lloráis como niñas, y cuando lleguemos a Hollywood y encontremos a los capullos que hacen la película, se van a comer nuestra mierda y cuando la paguen
 volverán a comerse su mierda hecha de nuestra mierda y que ya se 
comieron, y luego os tocará a vosotros, cabrones.
-Con cariño, Jay y Bob el silencioso.-





Pero un día ellos harían su última aparición (Clerks II 2006) y terminan en donde empezaron con su amigo Dante y Randal que se ven obligados a encontrarse un nuevo trabajo dentro del universo de la comida rápida.

El universo de Kevin Smith (el creador de estos tipos y a la vez el es Bob el silencioso) no volverá a ser lo mismo, hizo un primer intento de deshacerse de ellos haciendo una película sobre la paternidad (Una chica de Jersey (Jersey Girl) 2004) en donde se cambiaron risas por bostezos. Así que al menos se digno a dedicarle una despedida como se merece a el mundo que el creo y salio clerks 2, inferior a la primera, pero muy superior a todo lo que hizo después el sr Smith.
Sin apartarse mucho de esa estética en 2008 dirigió "¿Hacemos una porno?", divertida comedia al estilo clerks, pero que se hecha de menos a nuestros dos salvajes amigos.
Y lo último que nos dejó "Vaya par de polis" una comedia tontísima, de esas que le gusta tanto a los americanos, con dos polis uno negro (Tracy Morgan) y otro blanco (Bruce Willis) que no tienen ni puta gracia.

J

Pésames y felicitaciones

Estamos aún a miércoles, pero ya podemos hablar de que esta es una semana agria para el mundo del cine. Los aficionados al mundo del celuloide tenemos que lamentar tres fallecimientos de personas muy ligadas a este arte.

En primer lugar, el pasado domingo nos dejó el actor canadiense Leslie Nielsen, a causa de unas complicaciones derivadas de una neumonía. Falleció a sus 84 años el divertidísimo actor conocido en todo el mundo por sus papeles cómicos en películas paródicas como "Aterriza como puedas", "Agárralo como puedas", "Espía como puedas", etc; y más recientemente participando en algunas partes de la saga "Scary Movie". Una gran pérdida sin duda para aquellos que tanto nos hemos reido con sus films y hemos crecido con ellos. Un placer haberte visto en pantalla y disfrutar de tus películas, hasta siempre Leslie.

Otra gran pérdida que hemos sufrido es la muerte del director Irvin Kershner el pasado sábado a la edad de 87 años tras una larga batalla contra el cáncer. A pesar de no contar con una extensa filmografía, Kershner será siempre recordado por dirigir la que, para muchos (entre los que me incluyo), es la mejor parte de la saga Star Wars, "El Imperio Contraataca". Kershner también dirigió otras películas como "Robocop 2" o "Nunca digas nunca jamás". Nuestro más sentido pésame.

Por último, la tercera gran pérdida que acontece esta semana negra para el cine es la del director italiano Mario Monicelli, que se suicidó el pasado lunes tirándose desde una ventana, a la edad de 95 años. Monicelli será recordado por ser director y guionista de diversas películas italianas (especialmente comedias), en más de 50 años. Algunos de sus títulos más reconocidos son "Rufufú", "La armada Brancaleone" o "La gran guerra". Triste pérdida para una leyenda del cine italiano, descansa en paz Mario.

Afortunadamente, no todo son malas noticias. Hoy día 1 de diciembre cumple ni más ni menos que 75 años una leyenda viva del cine, un personaje clave para entender la comedia, un genio del celuloide. Hoy es el cumpleaños del gran Woody Allen. Todos los que amamos su cine nos podemos sentir afortunados de que este pequeño gran hombre nos siga deleitando con su extraordinario cine presentando sin falta una película cada año (lástima que ya no aparezca como actor en sus películas, su última aparición fué en "Scoop", en 2005). El director de títulos como "Annie Hall", "Manhattan", "La rosa púrpura del Cairo", "Match Point"...,  sigue estando en plena forma a sus 75 años.

¡¡¡Felicidades maestro!!!

Por cierto, quien no haya visto nunca una película del director de Brooklyn y quiera sumergirse en su cine, desde aquí recomendamos empezar con tres títulos: "Misterioso asesinato en Manhattan", "Toma el dinero y corre" y por supuesto "Annie Hall"

Y

 

Película recomendada: Él (Luis Buñuel, 1953)

Los celos:
Sospecha o inquietud ante la posibilidad de que la persona amada nos reste atención en favor de otra.

Los celos, esa extraña enfermedad en la cual te hace pensar en que otra persona te pertenece.
¿Que es la pertenencia? se puede tener un coche, una moto, una mesa o una silla, pero jamas se es dueño de ninguna otra persona, ya que ante todo, todos somos personas independientes y libres.
Lo que me parece mas triste de todo es cuando en una pareja uno de los dos individuos le exige al otro que se ponga celoso, porque es una muestra de que lo quiere, de que le importa.
¿Que es el amor?, si realmente quieres a alguien ¿por qué no dejarla libre, que sea feliz, que haga lo que le plazca?, acaso si esa persona también te quiere, ¿te engañaría? o ¿acaso es que desconfiáis tanto de vosotros mismos que no podéis confiar en nadie más?.
Un buen amigo me dijo una vez que los celos son desconfianza en uno mismo y realmente pienso que es la mejor definición que he escuchado nunca.

La película trata de un hombre bien posicionado, bien visto por todos, muy religioso y virgen,(mas que esa tal María) que se enamora de la novia de un amigo suyo.
En una fiesta consigue conquistarla y se acaban casando, desde ese momento empieza el calvario de ella y la locura de él.
Tristemente eso sucede continuamente, ¿quien no conoce una pareja amargada por los celos?¿cuantas personas hay que no pueden ni saludar a una persona del sexo opuesto?
!!Que gilipollez!!

El maltrato:
Tratar mal a una persona, con golpes, regaños, insultos, desprecio, etc

Una escena que define casi toda la película, la madre y la hija hablando, la madre acababa de hablar con el marido de su hija, que le había confesado todo el calvario que estaban pasando.
La hija amargada, maltratada, espera consuelo, comprensión de su madre y solo encuentra de respuesta "el te quiere, los celos es porque te quiere, deberías estar contenta de esos celos y ser mas cariñosa con el, la culpa es tuya hija".
Esa mentalidad de inferioridad está presente hoy en día en nuestra sociedad, en donde hombres y mujeres son maltratados y dominados por sus parejas y se sienten culpables porque piensan que no valen nada y la culpa es suya por no cumplir las expectativas que su pareja tenía puestas sobre el o ella.
Esto hace que se admita insultos, ordenes, reglas de comportamiento y demás como algo normal en la vida de una pareja y que se pierda la esencia que cada individuo tiene por si misma. Solo cuando el problema se convierte en algo visible para todos, como el maltrato físico, se piensa que de verdad existe un maltrato real.
Hoy en día miles de hombres son maltratados física y psicológicamente y por vergüenza no hacen nada, y miles de mujeres que son maltratadas, por miedo se quedan calladas.
Un problema de todos, que posiblemente con un cambio en la educación y de mentalidad se erradicaría, un poco al menos, enseñándoles a los niños que una persona no tiene dueño y que el respeto al prójimo es lo mas importante.

J

David Lynch, el genio abstracto

Me gustaría dedicar el artículo de hoy a este gran genio, a este gran director, a este gran guionista, a este gran pensador. Un director tan vanguardista como incomprendido en la realización de sus films. Alabado por unos, odiado por otros. En definitiva, hablemos de David Lynch.

No nos centraremos en su vida personal, ni en sus años de infancia, para ello podéis consultar diversas páginas con información sobre la vida del director de Montana. Nos centraremos principalmente en sus trabajos dentro del mundo del celuloide.

Su primer contacto con el cine radica en la realización de diversos cortometrajes a lo largo de los años 60 y 70, gracias a los cuales logra que la AFI le conceda una beca que empleará para dirigir su primera película: Cabeza Borradora. La película es oscura, vanguardista, claustrofóbica. Protagonizada por Jack Nance, narra de forma surrealista la vida de un hombre perturbado por diversos sueños de enigmático significado y cuyo hijo es un auténtico monstruo. La película se comienza a rodar en 1971, pero no se estrena hasta 1977. Este primer film guarda muchas de las características del cine de David Lynch: utilización de los sueños, el uso de imágenes surrealistas, independencia total...

En su segunda cinta, Lynch narra las desventuras de un hombre completamente deforme (John Hurt) y el médico que intenta ayudarlo (Anthony Hopkins), en el Londres del siglo XIX.  La película es bautizada como El Hombre Elefante y se estrena en 1980. La cinta es bastante más accesible que su primer largometraje, aunque la estética es oscura, siniestra, grotesca y a ratos recordando el expresionismo alemán. La película es nominada a 8 premios Oscar, de los cuales no gana ninguno. Esto hace que Lynch entre con nombre propio entre el círculo independiente del cine.

En 1984 el productor Dino De Laurentiis le ficha para dirigir su tercera película: Dune, adaptación de la novela homónima de Frank Herbert. Para muchos resulta extraño ver a Lynch dirigiendo una película de un género tan poco asociado a su cine como es la ciencia ficción, y más aún cuando el propio director decidió rechazar dirigir “El Retorno del Jedi”. Para el papel protagonista Lynch cuenta con uno de sus actores más recurrentes: Kyle MacLachlan. La película no gusta ni a la crítica, ni al público, ni siquiera al propio director, el cual la considera un auténtico fracaso. A pesar de ello, con el paso de los años a la película le han salido bastantes adeptos y defensores, llegándose a catalogar incluso como película de culto, principalmente por su originalidad.

En 1986, Lynch rueda una de sus pequeñas obras maestras: Terciopelo Azul. La cinta está producida de nuevo por Dino De Laurentiis y la banda sonora está compuesta por otro personaje recurrente en las posteriores películas del director norteamericano, Ángelo Badalamenti. Con “Terciopelo Azul”, Lynch nos narra en clave de cine negro las peripecias de un estudiante que, tras encontrar una oreja humana en un jardín, se ve envuelto en una misteriosa trama de crimen, sexo y violencia. Protagonizada por Kyle MacLachlan, Isabella Rossellini y Dennis Hopper, la película resulta tan poco convencional como enigmática, dado que Lynch vuelve a recurrir a situaciones oníricas como hilo argumental. Gracias a esta película el director logra una nominación a los Oscar como mejor director, aunque finalmente no lo ganará.

En su quinto film, David Lynch cuenta en clave de “road movie” la huida de dos jóvenes amantes (Laura Dern y Nicolas Cage) con el fin de escapar de la madre de la chica. La película se titula Corazón Salvaje, y gana la Palma de Oro en el Festival de Cannes en 1990. Pese a no encontrarse entre las películas más notables de su filmografía, la película cuenta con un buen acabado tanto estético como narrativo.

Ese mismo año, Lynch crea de la nada lo que probablemente sea su producto más comercial y reconocido internacionalmente, la serie de televisión Twin Peaks. La serie, dividida en dos temporadas, narra la investigación policial del asesinato de una adolescente en un peculiar pueblo americano. La serie, protagonizada por Kyle MacLachlan, cuenta con altas cotas de audiencia y la lleva a ganar diversos premios.

Dos años más tarde Lynch dirige Twin Peaks: El Fuego Camina Conmigo, precuela de “Twin Peaks”, odiada por unos y adorada por otros tantos, que narra los últimos días de vida de Laura Palmer, la adolescente asesinada en la cual se centra principalmente la trama de la serie. La película, además, sirve para resolver algunos cabos sueltos que deja la serie a su fin.

Tras varios proyectos que no llegan a prosperar, en 1997 dirige el que será su séptimo largometraje: Carretera Perdida. Con este film, Lynch vuelve al surrealismo más enfermizo, narrando la historia de un músico que recibe misteriosas cintas de video junto con su esposa. La película, protagonizada por Patricia Arquette y Bill Pullman, podría definirse como un thriller tan extravagante como enigmático, tan claustrofóbico como enfermizo. Situaciones exageradamente oníricas, giros argumentales desorbitados y una narración tan caótica como genial son las bazas de la película más paranoica de la filmografía del director hasta esa fecha…

En 1999, David Lynch da un giro de 360 grados a su filmografía dirigiendo Una Historia Verdadera, cinta basada en el viaje de un anciano, interpretado magistralmente por Richard Farnsworth (nominado al Oscar al mejor actor) , utilizando un cortacésped como vehículo para visitar a su hermano enfermo. En este film, Lynch saca a relucir su lado más humano dirigiendo una verdadera obra maestra que llegó a los corazones de millones de personas.

Dos años después, Lynch recicla el piloto de una serie que no llega a emitirse y lo transforma en su siguiente largometraje: Mulholland Drive. En la línea de “Carretera Perdida”, Lynch construye una película enigmática, caótica y enfermiza, que narra las extrañas peripecias que sufren una mujer amnésica (Laura Elena Harring) y una joven actriz (Naomi Watts). El director de Montana vuelve por sus fueros con esta película, catalogada de culto (como la mayoría de la filmografía del director), y logra una nueva nominación al mejor director.

En 2006, Lynch presenta el que es su último film hasta la fecha, la inquietante Inland Empire. La película, protagonizada por Laura Dern y Jeremy Irons, es excesiva, incluso para la retorcida mente de Lynch, que logra un surrealismo total y extremo con esta cinta. La película es encumbrada por unos, que sostienen en que Lynch ha creado una obra de arte abstracta, y detestada por otros, que piensan que a Lynch se le han perdido los pocos tornillos que le quedaban. Una vez más, se hace presente la dualidad que suscita este director…

Genio para unos, pretencioso para otros, esta es la filmografía de un director que ha sabido dar rienda suelta a su creatividad expresándose de una manera tan vanguardista y extraordinaria, que merece el reconocimiento en el mundo del cine. Por todo ello, Lynch, genio y figura.

Y

Descansa placidamente mister Berlanga

Luis García-Berlanga Martí (Valencia, 12 de junio de 1921 – Madrid, 13 de noviembre de 2010)

Se nos fue uno de los mas grandes directores y guionistas del cine español.
Un hombre capaz de hacernos ver la sociedad española, la pobreza, lo mezquino de la sociedad cristiana y todo eso evitando la censura franquista.                                                                                                
Eso me hace pensar en la inteligencia que podrian tener esos señores               filmografia.
censores, ya que no son capaces de captar la ironía y quizás pensaban         Elsueño de la maestra (2002)
que en la película "plácido" salía bien parada nuestra sociedad cristiana,     París-Tombuctú (1999)
que acogía en navidad a sus pobres para darles de comer,                        Blasco Ibáñez (TV) (1997)
cuando en verdad es un "vamos a guardar las apariencias".                        Todos a la cárcel (1993)
O como es capaz de hacer en tono de humor una manifestación                Moros y cristianos (1987)
en contra de la pena de muerte en su película "el verdugo" y que nadie      La vaquilla (1985)
se de cuenta de lo que realmente esta contándonos este hombre,              Nacional III (1982)
ya que si no hubiese sido prohibida como tantas otras.                              Patrimonio nacional (1981
Nos regalo !bienvenido mister Marshall! una película tan                           La escopeta nacional (1978)
antigua como actual, ¿acaso no seguimos vendiéndonos por unas              Tamaño natural (1973)
limosnas de americanos, ingleses o alemanes?.                                          ¡Vivan los novios! (1970)
Eso me hace reflexionar si Berlanga fue un adelantado a su tiempo,       La boutique (Las pirañas)(1967)
o simplemente la mayoría de los alcaldes de los pueblos turísticos             El verdugo (1963)
le han podido influir tanto esta película.                                                     Las cuatro verdades (1962)
Y como ese viejo genio de "calabuch" (sátira antinuclear, antimisiles,         Plácido (1961)
anticapitalista y mas antis que ahora mismo no me salen) buscó                 Los jueves, milagro (1957)
su refugio particular para vivir en la utopía de la paz y la libertad.              Calabuch (1956)
Porque la vida es para vivirla en libertad y tu Berlanga siempre estarás      Novio a la vista (1954)
vivo en el corazón de todo buen cinéfilo.                                            ¡Bienvenido, Míster Marshall(1952)
Solo me queda darte las gracias por todo lo que nos a regalado.               Esa pareja feliz (1951)
Descansa placidamente mister Berlanga.

j

Película recomendada: Ciudad de vida y muerte (2009)

Tan emotiva que conmueve, tan tenebrosa que asusta

Tan sólo comenzar a ver esta película sabía que vería algo muy grande. Me imaginaba que me encontraría con una bella y durísima película bélica. Me imaginaba que estéticamente me iba a encantar. Lo que no podía llegar a imaginar es que me encontraría ante una auténtica obra maestra.

El chino Lu Chuan nos muestra con una crudeza impresionante los acontecimientos que ocurrieron durante la toma de la ciudad de Nanking (por aquel entonces capital de China) por el ejército japonés durante la segunda guerra ocurrida entre Japón y China.

He de decir que mis conocimientos sobre este triste conflicto son prácticamente nulos, y que gracias a este estupendo film voy a remediar documentándome un poco sobre esta guerra, y en especial sobre los hechos ocurridos en la cinta.

Ante todo nos encontramos con una película increiblemente dura. Personas extremadamente sensibles deberían abstenerse a ver esta película. Hay momentos en el film realmente dificiles de ver (se me vienen algunas escenas a la cabeza y se me revuelve el estómago).

No quiero parecer sádico, pero creo que películas como esta son necesarias hoy en día. Con cintas como esta podemos darnos cuenta de lo que tenemos, podemos darnos cuenta de lo que sufrieron (y sufren) muchos seres humanos, podemos darnos cuenta de lo afortunados que somos algunos...

Hablando un poco del apartado técnico, la película es sobresaliente prácticamente en todos los aspectos. Genial guión, grandes actuaciones, magistral fotografía en blanco y negro, buena banda sonora... Como apunte personal, destaco la última escena del film. Sencillamente extraordinaria.

Ya solo me queda, como siempre hago, recomendarles que vean esta excelente película (aunque recalco que no es para cualquier tipo de persona). No se arrepentirán, se lo garantizo.

Y

Nouvelle vague

La nouvelle vague fue un fenómeno cinematográfico nacido en Francia a finales de los 50 y principios de los 60, sus creadores eran críticos de la revista "Cahiers du Cinema", convertidos en directores de cine, que con la opinión de sus lectores crearon un cine entonces totalmente vanguardista, rompiendo con todos los moldes que marcaba el cine europeo o americano.
Una "ola nueva" de directores tales como François Truffaut, Jean-Luc Godard, Jacques Rivette, Éric Rohmer o Claude Chabrol, y sobre todos ellos su precursor Jean Pierre Melville.

Algunas de las características de este nuevo movimiento cinematográfico eran, cámaras no profesionales al hombro, sin iluminación artificial en entornos naturales, con muchísima improvisación y sobre todo la libertad tanto de expresión como creativa.

Estas nuevas maneras de hacer películas y las nuevas historias que se contaban en ellas crearon una nueva manera de vivir, más libre y espontánea, que caló con rapidez en la juventud de finales de la década de los 50.


Aquí os dejo algunos ejemplos de la nouvelle vague.

-Al final de la escapada (Jean-Luc Godard 1.960): una maravilla, la película mas exagerada de este movimiento, cambios bruscos de cámara, empalmes alocados, conversiones sin mucho sentido, una Jean Seberg absolutamente preciosa y un Jean-Paul Belmondo poniendo morritos todo el tiempo, para una de las películas mas influyentes de la historia.

-Los cuatrocientos golpes (François Truffaut 1.959): Una historia sobre la falta de amor de unos padres sobre su hijo de 12 años y la búsqueda de la libertad de este en un mundo que no entiende.
Mas cercana al neorrealismo italiano que al nouvelle vague, una película menos experimental que "al final de la escapada", pero también una obra maestra de otro de los precursores de este movimiento.

-Banda aparte (Jean-Luc Godard 1.964): Otra magnifica película de Gordard, dos chicos y una chica se conocen en unas clases de ingles, y deciden hacer un robo en casa de esta. Esta historia sacada del cine negro sirve a godard para crear una relación de amor odio a tres bandas, con algunas escenas memorables, (sobre todo el minuto de silencio), un baile que me recordó a pulp fiction (cuanta influencia pudo tener Godard en el cine de Tarantino), o el record de tiempo en ver el museo louvre y con unos diálogos magistrales, muy recomendable.

-El fuego fatuo (louis malle 1.963): vida de un alcohólico después de pasar por una terapia de desintoxicación, película llena de sentimientos y de moralidad, de como el mundo ya no es lo que era y nadie realmente hace nada por ayudarte.
Magnifico ejemplo de como hacer un drama sin caer en el dramatismo barato, una gran película de un jovencito Louis Malle.

-Hiroshima, mon amour (Alain Resnais 1.959): Poesía hecha película, con unos quince primeros minutos semidocumental que roza la obra maestra, para una de las películas mas tristes de la historia del cine.
La Hiroshima del 59 es testigo de la trágica historia de amor ocurrida en Nevers (Francia) días antes de la bomba atómica.

-Mi noche con Maud (Éric Rohmer 1.969): Una reflexión moral sobre un católico y su forma de vivir, sobre una mujer mucho más liberal que defiende el hedonismo, una película basada totalmente en sus diálogos, en ideas contraopuestas y a la vez muy cercanas entre si.

-Cleo de 5 a 7 (Agnès Varda 1.961): Una joven cantante espera los resultados de unos análisis médicos ya que es posible que tenga cancer. La película transcurre casi en tiempo real, las dos horas de espera de la protagonista se resume en hora y media de miedos y esperanzas.
Muy buena película de Agnes Vardà, la hermana rebelde y feminista de la nouvelle vague.



Conclusiones personales:

¿Por que decidí escribir un articulo sobre la nouvelle vague? la verdad solo había visto la película "al final de la escapada" que me encanto, me dio una sensación de libertad, de casi anarquismo en la forma de contarte una historia, romper con lo establecido, con la manera de hacer "las cosas bien", que decidí que tenía que ver mas sobre la nueva ola, ¿y como obligarme a ello? pues comprometiendome a escribir un articulo que espero que sea útil a quien quiera adentrarse en la nouvelle vague.
Solo espero que disfrutéis de estas películas como yo he disfrutado viéndolas y como también lo he hecho escribiendo todo esto.

Podéis encontrar mas información del movimiento en wikipedia, y criticas mas extensas de estas películas en filmaffinity.

j

Película recomendada: Fargo (1996)

No es la Ley de Murphy, es la Ley de Coen

La Ley de Murphy dice lo siguiente: “Si algo puede salir mal, saldrá mal”. Esta ley podría aplicarse perfectamente a toda la película, pero no, va mucho más allá. Podríamos aplicar lo que un servidor llama “Ley de Coen”: “Si algo puede salir mal, saldrá peor”.

Los hermanos Coen consiguen con su quinto largometraje esa obra maestra que llevaban tiempo intentando conseguir. La cinta podría considerarse como la evolución de su primera obra, “Sangre Fácil”, aunque mucho más lograda en cuanto a guión y dirección. Para ello nos trasladan a las nevadas estepas de Minnesota dónde un padre de familia planea con dos ladrones de poca monta el secuestro de su propia esposa para que su rico y avaricioso suegro pague el rescate. Una policía embarazada será la encargada de investigar el caso.

Ante esta poco frecuente y absurda trama, ¿qué podemos esperar de este film?

En mi modesta opinión una de las mayores obras cinematográficas de los años 90.

Esta película suele calificarse como thriller, como drama, como película de suspense… Créanme si les digo que no es nada de eso. Es simplemente una de las comedias más negras y amargas de la historia del cine. Motivos como las situaciones absurdas (un marido que secuestra a su esposa para obtener dinero de su suegro), personajes extraños y poco creíbles (una policía embarazada investigando un caso de secuestro), y sobre todo por ese humor sádico y a veces macabro que desprenden los Coen en sus películas, hacen que esta sea una de las comedias más estrambóticas de todos los tiempos.

Una cinta poco convencional, con un guión tan extraordinario como surrealista, con la que los hermanos Coen alcanzaron por fin el éxito.

Observando los aspectos técnicos de la película, notamos que el plantel de actores es exquisito, con una insuperable Frances McDormand (que ganó el Oscar a la mejor actriz por este film), un magnífico Steve Buscemi y unos geniales William H. Macy y Peter Stormare. También contamos con un excepcional guión made in Coen (ganador del otro premio de la Academia para esta película, además del de mejor actriz) y una extraordinaria fotografía.

En definitiva, solo me queda  recomendarles que vean esta genial cinta, que podrá gustarles más o menos, pero lo que es seguro es que no quedarán indiferentes.

Y