Woody Allen, sus 5 películas que no te puedes perder

Hablar de Woody Allen es hablar de una de las leyendas vivas del séptimo arte, de un director, actor y guionista irrepetible, detestado por muchos, pero amado por otros tantos (entre los que me incluyo) y que desde luego, no deja indiferente a nadie.
Me hubiese gustado hacer, al igual que hice con David Lynch un homenaje hacia su persona repasando brevemente su filmografía, pero contando con que el pequeño genio de Brooklyn ha rodado cerca de 40 películas, el artículo sería interminable.
Así pues decidimos mi compañero y yo reducir la lista a sólo las 5 mejores películas del director (según mi criterio), lo cual es una tarea bastante complicada, pues con una filmografía tan extensa resulta casi imposible elegir solo 5 films. Aún así, hemos seguido adelante y hemos hecho una breve selección de 5 cintas que pasaremos a analizar en seguida.

Annie Hall (1977)

"Un neurótico humorista de Nueva York reflexiona sobre la vida y las relaciones personales que ha tenido con especial atención a su última novia, Annie Hall",

Probablemente la película más conocida, exitosa y representativa del estilo Allen. "Annie Hall" es una comedia romántica muy original y personal, mil veces imitada pero nunca superada.

Allen rompe con el molde de la típica comedia romántica cambiando a los dos enamorados felices por dos personajes tan complicados como extravagantes interpretados por el propio Allen y la maravillosa Diane Keaton.
La cinta ganó 4 premios Óscar: mejor película, mejor director, mejor actriz y mejor guión.




Manhattan (1979)

"Un guionista de gags televisivos, tras varios fracasos matrimoniales, mantiene una relación con una jóven estudiante. Inesperadamente se enamora de la amante de su mejor amigo. Además su última esposa, que se ha vuelto lesbiana, se propone publicar un libro sobre la vida sexual que llevaba con su ex-marido."

Tras este singular argumento se esconde una de las mayores obras maestras de la filmografía de Woody Allen, que vuelve a compartir protagonismo con Diane Keaton y con Meryl Streep y Mariel Hemingway completando un reparto estelar.
Para muchos, la mejor película que jamás ha rodado el director neoyorkino, que nos muestra en este film la ciudad de Nueva York como un personaje más en la cinta, acompañado de una fotografía y una banda sonora colosales.



La rosa púrpura del Cairo (1985)

"Durante la Gran Depresión, una camarera trabajadora infelizmente casada acude al cine para evadirse de la realidad que vive. Un día mientras asiste a la proyección de su film favorito, el personaje protagonista sale de la pantalla decidido a tener un romance con ella."

Brillante comedia romántica con Mia Farrow y Jeff Daniels en los papeles principales, en la que Allen mezcla de manera magistral la comedia, el romance y la fantasía dando pie a una de sus mejores cintas.
El director nacido en Brooklyn nos deleita una vez más con una película tan divertida como encantadora que además nos muestra de manera muy inteligente las miserias y esperanzas de la sociedad americana de los años 30.

Misterioso asesinato en Manhattan (1993)

"Un peculiar matrimonio tiene la sospecha de que su anciano vecino ha asesinado a su propia mujer. Con la ayuda de dos amigos intentarán investigar el supuesto crimen."

Tras varios años rodando dramas de carácter íntimo, Allen rescata un poco de esa esencia que lo hizo famosos a principios de los 70 con una desternillante comedia al estilo de sus primeros films pero con un toque más cuidado e inteligente.

Junto a Woody Allen destaca en el reparto la presencia de Diane Keaton (que no colaboraba con Allen desde "Manhattan"), Alan Alda y Anjelica huston.

Una de las comedias más divertidas, ácidas e inteligentes de Allen y una de las mejores para iniciarse en la filmografía de este gran director.

Match Point (2005)

"Un jóven tenista retirado logra introducirse en una rica familia londinense ganándose la amistad de el hijo de la familia y posteriormente entablando una relación con la hija. Todo cambia cuando conoce a la novia de su cuñado..."

Allen da un giro total a toda su filmografía narrando este intenso y magnífico drama con toques de thriller. Abandona su amada Nueva York para rodar en Londres una película con un argumento tan tenebroso como extraordinario.

Scarlett Johansson y Jonathan Rhys-Meyers son los principales protagonista de esta cinta que, al igual que en "Delitos y faltas" (1989), el director profundiza en la venganza y la culpa de manera brillante.

Una selección arriesgada de cinco títulos indispensables en la filmografía del gran Woody Allen es el resultado de este artículo que espero disfruten leyendo al igual que he disfrutado yo redactándolo.

Me duele muchísimo dejarme fuera películas tan memorables y extraordinarias como "Hannah y sus hermanas", "Balas sobre Broadway", "Zelig", "Delitos y faltas", "Desmontando a Harry", "Días de radio", "Broadway Danny Rose"... Pero naturalmente no todas pueden estar entre las 5 que, a mi juicio, son las mejores películas de Woody Allen.

Sólo nos queda recomendar que vean estas películas y cómo no que indaguen en la extensa y maravillosa filmografía del director neoyorkino. No se arrepentirán.

Y

Película recomendada: El padrino

Hoy no voy a poner una critica mía, sí, voy a romper una norma que tenemos, voy a poner algo escrito por una tercera persona sobre la película el padrino (probablemente una de las mejores películas de la historia del cine). Esta película se merece algo tan grande como lo que escribió un usuario de filmaffinity apodado Lupo, yo no lo conozco de nada, pero quiero agradecer sus lineas y su amor por el cine, que aquí en este blog también compartimos.

Aquí os dejo con su critica de el padrino.

J

IN MEMORIAM.

Cuando mis padres enfermaron inesperadamente y sin remedio, les llevaba películas con que atenuar la angustiosa inminencia del fin.
Ambos eran cinéfilos. De jóvenes iban a cineclubs, leían revistas extranjeras, tenían libros en francés (la lengua intelectual entonces) sobre el cine de vanguardia. De modo habitual, veían películas y las comentaban entre sí, una y otra vez.

Dadas las circunstancias, mi padre prefería ahora comedias ligeras, con golpes humorísticos. Woody Allen era lo indicado. Y el aceptable entretenimiento que hay en “Una terapia peligrosa”, “Atrapado en el tiempo”, y películas así.

Cuando mi padre ya no estaba, a mi madre le importaba menos el género que la calidad. Al empezar la cinta, se incorporaba y se ponía las gafas. Al terminar, comentaba con entusiasmo algún detalle.
Vimos películas de puro disfrute, del estilo de “Barry Lyndon” o “La edad de la inocencia”…

Pero llegó el día en que ya no sabía yo qué películas llevar. Recorrí tiendas y videotecas. En Internet consulté docenas de páginas, hasta encontrar una muy completa. Incluía fichas, comentarios, herramientas de búsqueda… Una enciclopedia cinéfila viva, donde iba identificando los films oportunos. Pasaron días y semanas mientras revisábamos Hawks, raras de Hitchcock, y “La escapada”, y sueltas de Truffaut, Chabrol, N. Ray…

Ya se estaba apagando mi madre, y me pidió ver “El Padrino” una vez más. Las tres. A lo largo de su vida había visto miles de películas, y ahora deseaba ver “El Padrino”.
Es la mejor, me dijo. En ella está todo. Es Shakespeare hoy. Las pasiones de los personajes son las de la humanidad… los grupos humanos, las familias, luchando por la vida… Y el ritmo es el de las generaciones… Los actores nunca estuvieron mejor en su carrera… El director, parece mentira con qué arte aprovecha la novela, que es pobretona…
Entre miles de películas, mi madre la escogió para que fuese la última, la que se llevase de este mundo en la retina.

Después, mis padres no estaban. La cinefilia ya no era cosa de ellos, ni de mi compadre Juan Carlos (que en alguna región del cosmos estará viendo por enésima vez “Casablanca” y comentando que el flic Rains ha estado mejor que otros días, o lo bien que esa tarde ha aplastado a la mosca el gordo del fez), ni tampoco de los colegas que organizaban maratones de fin de semana para ver, en pisos universitarios, entre humaredas, ciclos de cine negro, o sueco, o lo que se terciara con tal de devorar películas, y luego parlotear sobre ellas hasta gastar la faringe.
La cinefilia, hasta entonces cosa de otros, pasó a ser también cosa mía.

Grandes trilogías del cine: "Trilogía del dólar", de Sergio Leone

"Trilogía del dólar"... Así es como se conoce popularmente la serie de tres películas pertenecientes al género del spaghetti western rodadas por el italiano Sergio Leone: "Por un puñado de dólares", "La muerte tenía un precio" y "El bueno, el feo y el malo".

Al igual que en la "Trilogía de la venganza", que comentamos anteriormente, esta serie de películas no tienen ningún nexo argumental (al menos aparentemente), pero si que contiene una serie de similitudes que hacen que sea considerada una saga.

En primer lugar, además de estar protagonizadas todas por un jóven Clint Eastwood, el actor recrea el mismo personaje en las tres cintas: un cazarrecompensas cuyo máximo interés radica en el dinero, con una estética muy personal (barba, sombrero raido, poncho harapiento, medio cigarro en la boca...) y que carece de nombre conocido (se hace llamar El Manco o El Rubio).

Por otro lado, el tema principal de los tres films es el dinero, que mueve a los personajes de las tres películas a conseguirlo aunque su vida dependa de ello.

Otra característica importante es la banda sonora, conocida mundialmente (en especial la de las dos últimas entregas) y compuesta por el gran Ennio Morricone.

Además, los tres films se podrían considerar los máximos exponentes del spaghetti western junto con "Hasta que llegó su hora", también de Leone.

Pasemos ahora a analizar cada uno de los títulos:

Por un puñado de dólares (1964)

"Un pistolero llega a un pueblo dónde dos familias se disputan el control del mismo. El Manco deberá decidir a cuál de las dos familias le conviene prestar sus servicios"
Remake del film de Akira Kurosawa "Yojimbo", que Leone se encargó de adaptar al formato western. Este primer título fue el que le dio a un jóven Clint Eastwood fama internacional.

La película fue rodada en España, más concretamente en el Desierto de Tabernas, en Almería.

Fue uno de los primeros spaghetti western que se rodaron, dando así pie a un nuevo género, un western más callejero y mugriento que el que solía hacerse en aquella época.

La muerte tenía un precio (1965)

"Dos cazarrecompensas, rivales en principio, deciden unirse en la captura de un peligroso forajido apodado El Indio para así conseguir una buena recompensa."

En esta ocasión Clint Eastwood se ve acompañado por otro grande del western, el gran Lee Van Cleef  encarnando al inolvidable Coronel Mortimer.

En esta segunda parte de la trilogía, Leone logra una película más redonda que la anterior, creando un fantástico western con mucha acción y un guión memorable.

Rodada también en Almería (en su mayor parte), este film repite las mismas ambiciones que en "Por un puñado de dólares", es decir, el afán por conseguir una gran suma de dinero, sólo que de una manera más cuidada estética y argumentalmente.

El bueno, el feo y el malo (1966)

"En plena Guerra de Secesión americana, tres hombres buscan un tesoro de un gran valor. El problema es que no podrán encontrarlo si no colaboran entre sí, pues cada uno sabe algo que los demás ignoran."

Tercera y última colaboración de Eastwood con Leone, que desde este film dio el salto al estrellato en Hollywood. En el reparto volvemos a encontrar a Lee Van Cleef, aunque en un papel bien distinto. Cierra este gran reparto Eli Wallach.

Esta última entrega de la saga es probablemente la mejor valorada tanto por crítica como por público.

Un guión genial, buenas interpretaciones, un magnífico desenlace y una banda sonora memorable son muchos de los ingredientes de esta maravillosa cinta.

En resumidas cuentas, se podría decir que estamos ante una de las trilogías más míticas de la historia del séptimo arte. Tres westerns diferentes en la época en que se rodaron, llenos de violencia, mugre y sobre todo de antihéroes. Leone revolucionó un género que ya empezaba a notar su decadencia de manera excepcional, creando tres cintas para la historia, con escenas memorables, personajes inolvidables, y una banda sonora que marcó una época.

Recomendamos la visualización de estas películas a los amantes, no solo del western, si no a todo el que se considere amante del buen cine.

Y

Feliz año nuevo a todos

Se nos fue el año 2010, año de crisis tanto económica como de valores, se despide con el rechazo unánime a la ley de Sinde, (no podría ser de otra forma) un ataque total a la libertad de expresión y un daño tremendo a la cultura, ¿como una persona con pocos recursos puede ver las grandes obras maestras del cine si no puede descargarse películas?, Sinde explicanos como se puede defender el cine poniendo obstáculos a los que realmente le interesan. ¿No es mejor que una obra sea vista por el mayor número de personas posible? yo pienso que quien ama el cine, paga por verlo, por muchas descargas que hagan.

A nivel personal pues el año tubo sus cosas buenas y malas. Sigo en un trabajo sin futuro, sin un alma gemela con la que compartir caprichos, manías o costumbres, sin independizarme de casa, etc...
Pero el año me trajo cosas magníficas, destacar la subida al río de Ojen que fue algo muy boniko, la ruta del quijote o la coronación del torrecilla, eso a nivel deportivo.
Luego a nivel personal la creación de un grupo magnifico de amigos, que junto con los de siempre hacen que esta vida tenga mas gracia y alegría.
Los cortos, (certamen incluido) con la no "muerte" del conejo, o ese padre que al final no era el padre de quien se suponía que era.
Fue una experiencia magnifica y además ese intento de crear una generación de amigos mijeños que tienen inquietudes por el arte, esa generación burreña que puede seguir adelante con nuevos proyectos y cortos.

Y por último la creación de este blog, que como toda idea nació en la barra del bar (nuestro refugio particular) entre un servidor y el fenómeno del Yeyo (no podría haber sido con otro) que hace que a nuestra manera os vayamos comentando cosas sobre el cine o nuestras inquietudes disfrazadas de critica de alguna película.

Solo espero que este sea el mejor año de vuestra vida, pero que no sea mejor que el próximo y el próximo, que todos seáis muy felices.
Y para acabar daros las gracias a todos los que habéis estado a mi lado, tanto en los momentos buenos como malos, a todos aquellos que han dedicado un ratito de su vida a leer nuestros desvaríos, ya sean amigos, conocidos o esas personas anónimas que pasan por casualidad en un momento dado.
Gracias a todos y espero que tengáis un gran año.

J

Película recomendada: Camino (2008)

Yo también pido

Por todos aquellos que exigen a sus hijos orar y agradecer a una deidad todo lo que pasa en sus vidas.
Por todos aquellos miembros de sectas que viven apartados en su realidad enfermiza.
Por todos aquellos que niegan a sus hijos la amistad y el amor de otras personas.
Por todos aquellos que encuentran frívolo y pecaminoso escuchar música o actuar en una obra de teatro.
Por todos aquellos que atemorizan a sus semejantes con quimeras referentes a una religión.
Por todos aquellos prohíben a sus pequeños soñar con una vida diferente.
Por todos aquellos que sienten envidia de una persona moribunda.
Por todos aquellos que creen que ir en taxi no es apropiado para visitar a un ser querido a punto de morir.
Por todos aquellos que aplauden, como si de un espectáculo se tratara, la muerte de un ser bellísimo.
Por todos aquellos que dan gracias porque sus hijos tengan una enfermedad terminal.
Por todos aquellos que creen que la muerte es un regalo divino.

Yo también soy creyente, comparto con Fernando Trueba entre otros mi devoción por Billy Wilder. Así que por todos aquellos a los que he nombrado, rezo y pido, y sólo le pido al señor Wilder una cosa:

 Que ojalá os taladren el recto con un martillo neumático.

Después de esta reflexión, hablemos un poco de la película.

Nos encontramos ante una magnífica cinta dirigida por Javier Fesser que arrasó en los premios Goya llevándose 6 estatuillas incluyendo la de mejor película. El film es una auténtico drama sobre una niña de 11 años perteneciente al Opus Dei que debe afrontar dos sentimientos bien distintos: la muerte y el amor.

El film, inspirado en una historia real, nos muestra la cara más radical e introvertida de los seguidores del Opus, pero también nos da una lección de humanismo y fe, por parte de una niña inolvidable.

En el apartado técnico, el film cuenta con un estupendo guión, bastante duro, pero a su vez muy hermoso.

El plantel de actores es magnífico, destacando a la jóven Nerea Camacho y a Carmen Elías, merecedoras sin lugar a dudas de sus estatuillas a mejor actriz revelación y mejor actriz respectivamente.

Camino es un bello y crudo film sobre la fe y la sumisión, sobre la esperanza y el amor, pero también sobre el miedo y el sacrificio sobre un ser superior.

Que nadie nos malinterprete, no pretendemos burlarnos ni acometer sobre la gente religiosa, respetamos cualquier creencia y no pretendemos ofender a nadie, pero no estaría de más que le diesen una oportunidad a esta cinta. Quizás puedan tener otra visión sobre el "opio del pueblo"...

Y

El cine dogma

¿Que es el cine dogma?
Corría el año 1995 cuando los directores Lars Von Trier y Thomas Vinterberg, entre otros, lanzaron unas normas para hacer un tipo de cine más simple en el aspecto técnico y con mayor énfasis en el aspecto dramático.
Aquí os dejo esas normas:

1. El rodaje debe realizarse en exteriores. Accesorios y decorados no pueden ser introducidos (si un accesorio en concreto es necesario para la historia, será preciso elegir uno de los exteriores en los que se encuentre este accesorio).
2. El sonido no debe ser producido separado de las imágenes y viceversa. (No se puede utilizar música, salvo si está presente en la escena en la que se rueda).
3. La cámara debe sostenerse en la mano. Cualquier movimiento -o inmovilidad- conseguido con la mano están autorizados.
4. La película tiene que ser en color. La iluminación especial no es aceptada. (Si hay poca luz, la escena debe ser cortada, o bien se puede montar sólo una luz sobre la cámara).
5. Los trucajes y filtros están prohibidos.
6. La película no debe contener ninguna acción superficial. (Muertos, armas, etc., en ningún caso).
7. Los cambios temporales y geográficos están prohibidos. (Es decir, que la película sucede aquí y ahora).
8. Las películas de género no son válidas.
9. El formato de la película debe ser en 35 mm.
10. El director no debe aparecer en los créditos.

Bien dicho esto, solo decir que de las películas consideradas dogma que he visto, solo tres han cumplido con estas normas, ya que utilizan sus propias normas mas como recurso cinematográfico al servicio de lo que cuentan, olvidándose de algunas cuando le vienen en gana.

Os pongo como recomendación personal tres películas que si cumplen con estas normas:




-Celebración (festen), (Thomas Vinterberg, 1995)
Los Klingenfeldt, una familia de la alta burguesía danesa, se dispone a celebrar el sesenta cumpleaños del patriarca, un hombre de trayectoria y reputación intachable. Pero tres hermanos muy diferentes están dispuestos a contarlo todo.

Bien, magnifica película que recuerda un poco al angel exterminador de Buñuel, por el destroce que hace a la clase social alta, muy provocadora esta primera película del revolucionario movimiento cinematográfico Dogma, fue multripremiada y muy alabada por la critica, muy recomendable.

-Los idiotas (Lars Von Trier, 1998)
Un grupo de jóvenes comparte un mismo interés: la idiotez. Con una casa de campo como base, pasan su tiempo libre juntos explorando los ocultos y poco apreciados valores de la idiotez. El grupo se dedica a enfrentar a la sociedad con sus idioteces. Karen, una mujer solitaria y reservada, se une al grupo después de participar involuntariamente en una de sus actuaciones.

Provocadora al máximo, la película plantea varias cuestiones morales, como el valor de las posesiones o de si esta bien o mal engañar a los demás aunque no los perjudiques, con escenas muy explicitas, un micro que se ve como 40 veces, hasta se puede ver perfectamente a un cámara grabando, sexo explícito y la idiotez llevada al limite, para una primera hora sorprendente por su propuesta atrevida y un desarrollo algo monótono.
 

-Rompiendo las olas (Lars Von Trier, 1996)
Al comienzo de los años 70 una ingenua joven, Bess (Emily Watson), que vive en una pequeña comunidad de la costa norte de Escocia, se enamora de Jan (Stellan Skarsgård), un hombre mundano que trabaja en una plataforma petrolífera. A pesar de la oposición del entorno, una rígida comunidad puritana, Bess y Jan se casan. Tras la boda, él vuelve a su trabajo, mientras que Bess cuenta los días para su vuelta, convencida de que su amor está bendecido por el cielo, especialmente porque piensa que puede comunicarse mentalmente con Dios. Pero un día Jan sufre un terrible accidente.

Película durísima, una bella historia del amor en una sociedad puritana que no comprende los sacrificios que se puede hacer por amor, muy dura, y también muy provocativa como todo lo que suele hacer Lars Von Trier.

J

Grandes trilogías del cine: "Trilogía de la venganza", de Park Chan-wook

En esta nueva sección del blog, vamos a analizar diversas trilogías (o sagas) que han marcado un antes y un después en la historia del cine, ya sea reciente o antigua.

La trilogía que vamos a analizar (y recomendar, por supuesto) es la llamada "Trilogía de la venganza", del director surcoreano Park Chan-wook, compuesta por las películas: "Sympathy for Mr. Vengeance", "Oldboy" y "Sympathy for Lady Vengeance".



Las tres películas no comparte ningún nexo argumental, es decir, podemos empezar a ver la trilogía por la tercera película sin problemas (aunque desde aquí recomendamos que se haga por órden cronológico). No comparten nexos argumentales, pero si que comparten un mismo tema central: la venganza. Park Chan-wook crea tres historias protagonizadas por extraños individuos que buscan la venganza como único sentido de su vida. Las tres historias son oscuras, retorcidas, espeluznantes, dónde la sed de sangre y la crueldad de sus protagonistas  derroca cualquier convencionalismo. Pasemos, sin más dilación, a analizar los tres films:

Sympathy for Mr. Vengeance (2002)

"Un jóven sordomudo busca desesperadamente una gran cantidad de dinero para poder comprar un riñón en el mercado negro para su hermana enferma".

Esta primera parte de la trilogía es quizás la más tosca, la menos lírica por así decirlo. Narrada con una violencia enfermiza, Park Chan-wook recrea un relato tan trágico como esperpéntico, dónde la venganza es la única vía de escape para unos personajes tan atormentados que son capaces de hacer lo que sea con tal de ver la cabeza de sus enemigos en bandeja de plata.

El film cuenta con grandes actuaciones, prevaleciendo sobre todo la del jóven Shin Ha-kyun, en el rol de jóven sordomudo.

Oldboy (2003)

"Un hombre es secuestrado y encerrado en una habitación con un televisor. Después de 15 años es liberado sin ninguna explicación. Tan sólo una llamada le advierte que tiene cinco días para poder vengarse".

Esta segunda entrega es con gran diferencia la más aclamada tanto por el público como por la crítica, prueba de ello es que se alza con el Gran Premio del Jurado del festival de Cannes.

La película, basada en un cómic de Nobuaki Minegishi, explora los sentimientos más oscuros y enfermizos del ser humano, narrando a golpe de martillazo las miserias de personas que son tanto víctima como verdugo en este inquietante relato. Destaca el fenomenal papel de Choi Min-Sik en el papel protagonista.

Sympathy for Lady Vengeance (2005)

"Una mujer sale de la cárcel tras 13 años en prisión por el secuestro y asesinato de un niño de 6 años. Cuando por fin logra salir, sólo puede pensar en una cosa: la venganza."

En este tercer y último film de la trilogía, el director surcoreano narra con brillantez el relato más poético y lírico de los tres, pero también con el argumento más retorcido y doloroso de todos, en el cual la bella Lee Young-ae realiza una magistral interpretación.

La película puede parecer a algunos la más suave de las tres partes, pero no es así. Park Chan-wook tramsforma con maestría un relato sórdido y cruel en una bella fábula sangrienta, que pone un broche de oro a una trilogía tan espectacular como poco convencional.

En resumen, podemos afirmar que esta "Trilogía de la venganza" es un documento de culto dentro de la filmografía más reciente. Agradará a algunos y otros la tacharán como basura, pero desde luego no dejará indiferente a nadie. Como siempre, recomendamos que vean estas fascinantes películas, tres trepidantes thrillers cargados de intriga, sangre, y sobre todo, de mucha venganza.

Y