Película recomendada: ¿qué fue de Baby Jane? (Robert Aldrich 1962)

Consecuencias de la moderna explotación infantil.

Juan y Medio debería tomar nota y todos esos padres que ven a sus pequeñ@s por la televisión y se les cae la baba diciendo que graciosos, pero que guapos que son mis niños, que orgullosos estamos de que salgan en televisión. Deberían dejar de vivir a través de sus hijos y apuntarse a una escuela de arte dramático y exhibirse ellos en televisión o hacer el tonto y que salgan en uno de esos programas de media noche repletos de frikis absurdos que hacen reír a personas trasnochadoras y de paso que se lleven al mediano de Juan con ellos.

La película trata de dos hermanas que de pequeñas consiguieron la fama en el mundo del espectáculo, Baby Jane, pequeña rubita encantadora y malcriada, mimada por sus padres y ojito derecho de América entera, mientras su hermana Blanche siempre era la segundona de su hermana y despreciada por su padre.
Consecuencias de esa vida y la vida que da muchas vueltas nos encontramos con una estrella acabada, malvada, lo que la triste educación infantil hizo de ella y de su hermana una estrella de adulta, tierna y educada, con una infancia a la sombra de su hermana y con un mundo del cine que al final le hizo justicia.
Un extraño accidente de coche hace que Blanche quede en silla de ruedas a expensa de su malvada hermana y eso hará que Baby Jane vuelva a ser la dominante mujer que era de pequeña y Blanche la pobre niña que sufría sus consecuencias.
En cierto sentido el film recuerda mucho al libro que posteriormente escribiría Stephen King "Mysery".
Con grandes actuaciones, estamos ante una historia de celos, locura y odio con mucho suspense, cercano al terror en algunos momentos, muy bien realizado.

Que clase de educación tienen los niños prodigios es algo para plantearse, si no, ¿qué fue de Macaulay Culkin?, ¿qué le pasó a River Phoenix?, ¿qué pasará cuando esos niños tan graciosos y tan guapos crezcan y se vuelvan saboríos y feos?, ¿qué pasará entonces don y medio?

J

Quentin Tarantino, el maestro pop

Hablar de Quentin Tarantino es hablar de una de las leyendas vivas del cine. A pesar de no contar con una filmografía demasiado amplia y llevar poco más de 20 años en el gremio, es sin duda uno de los referentes del cine actual y poco a poco se ha ido haciendo un hueco entre los grandes directores de nuestra época. Su magistral y revolucionario uso narrativo, sus ingeniosos y sus chispeantes diálogos, su inteligente uso de la violencia y sobre todo, su amplio gusto cinematográfico que le ha servido para dar forma a sus guiones. Y es que entre los gustos más reconocidos del director norteamericano podemos encontrar géneros tan diferentes como el spaghetti western, la nouvelle vague, el cine de artes marciales o la serie b más bizarra, entre otros, y entre sus directores favoritos podemos encontrar grandes leyendas del cine como son Jean-Luc Godard, Sergio Leone o Sam Peckinpah. Dicho esto, pasemos sin más preámbulos a analizar la filmografía de este gran director:

Los inicios de Tarantino se remontan a los años 80, donde dirige películas amateur en 8 milímetros y escribe guiones para ganarse la vida. Es especialmente significativo el hecho de que escribiese dos guiones que, años más tarde, dirigirían dos directores de renombre: "Asesinos natos", de Oliver Stone y "Amor a quemarropa", de Tony Scott. Gracias al dinero obtenido por la venta de estos guiones se lanza a dirigir en 1992 su primera película seria: Reservoir Dogs, película clave en el cine independiente de los 90. Con un presupuesto muy bajo, Tarantino asienta en su ópera prima las claves de su cine: chispeantes diálogos, el uso de la violencia, su peculiar estética o su variado y exquisito gusto musical. A pesar de ser una película muy independiente, Tarantino se abastece de un más que respetable reparto encabezado por Harvey Keitel, Tim Roth, Steve Buscemi y Michael Madsen entre otros. El film se convierte automáticamente en película de culto y sitúa al director de Tennessee entre las grandes promesas del cine de los 90.

Dos años más tarde Quentin Tarantino dirige la que, probablemente, es su mayor obra maestra y su película más representativa: Pulp Fiction. Tarantino rompe con el concepto de linealidad narrativa, creando una historia dividida en tres actos pero que se narran de manera desordenada. Es especialmente reseñable el tema de su impresionante reparto, pues Tarantino cuenta con actores y actrices que serán habituales en sus foturas películas como Uma Thurman o Samuel L. Jackson, rompetaquillas como Bruce Willis o viejas glorias en un mal momento como John Travolta. La película se convierte en todo un éxito llevándose la Palma de Oro en Cannes y el Oscar al mejor guión original. A pesar de ser una cinta relativamente moderna, es considerada como una de las mayores obras maestras de la historia, gracias a sus ingeniosos diálogos, a sus legendarias escenas, su sutil humor negro y la particularidad de sus historias envueltas en una membrana de cultura pop. Quentin Tarantino, con tan sólo dos películas, es ya un director de gran renombre en Hollywood.

Tras dirigir una de las historias de la película coral "Four Rooms", Tarantino vuelve a la carga en 1997 con Jackie Brown, probablemente la película menos Tarantino de su filmografía. El director estadounidense se inspira en las películas blaxploitation de los 70 para dirigir esta peculiar cinta. Tarantino, al igual que hiciese con Travolta en "Pulp Fiction", rescata a otra vieja estrella hollywoodiense para que protagonice el film: Pam Grier. Completan el impresionante reparto de la película Samuel L. Jackson, Robert De Niro, Bridget Fonda y Michael Keaton entre otros. La película es la menos representativa de su género entre otras cosas por no contener tanta violencia como sus antecesoras y contar con una historia más convencional. A pesar de ello, nos encontramos ante un gran film, plagado de buenas escenas y sobre todo, de una banda sonora exquisita.

En 2003, seis años después de "Jackie Brown", Tarantino saca de la chistera una historia tan impresionante que tendrá que dividirla en dos partes. La obra no es otra que la fenomenal Kill Bill. Tarantino recupera la violencia perdida en "Jackie Brown" y dirige su película más sangrienta hasta la fecha, una película sobre la venganza que Tarantino rueda en dos partes: "Kill Bill: Volúmen 1" (2003) y "Kill Bill: Volúmen 2" (2004). Ambos films reciben una respuesta bastante controvertida, pues dónde algunos ven una historia vacía y estúpida otros ven una auténtica obra maestra del cine de acción. Para las dos entregas Tarantino se vuelve a nutrir de un fabuloso reparto encabezado por Uma Thurman que se ve acompañada de Lucy Liu, David Carradine, Daryl Hannah y Michael Madsen, entre otros. Es en estos films dónde se puede notar a mayor escala el amor que siente Tarantino por el cine de artes marciales de los 70, siendo un auténtico y magistral homenaje del género.

Tras participar en la película "Sin City" junto a Frank Miller y Robert Rodríguez, Tarantino vuelve a la dirección en 2007. Crea junto con Robert Rodríguez el proyecto "Grindhouse", especie de homenaje al cine de terror de serie b que tanto aman los dos cineastas. Ambos acuerdan dirigir una película cada uno y ambas se proyectarán en la misma sesión en los cines americanos. Para este proyecto, Tarantino dirige Death Proof, película a medio camino entre el cine de terror y el thriller, cargado de alusiones a la serie b más bizarra. Una vez más el director norteamericano recupera un actor en horas bajas de su carrera, en esta ocasión Kurt Russell. A pesar de ser, probablemente, su película menos buena hasta la fecha, "Death Proof" está plagada de diversión, de sangre, de humor negro y de magníficas escenas y diálogos, en definitiva de la gran mayoría de las características tarantinianas.

Dos años más tarde, Quentin Tarantino dirige su última película hasta este momento: Malditos Bastardos. Tarantino disfraza de película de aventuras un spaghetti western ambientado en la Francia de la segunda guerra mundial. El director de Knoxville cuenta con un gran reparto encabezado por Brad Pitt, Diane Kruger y Christoph Waltz, que se alza con varios premios por su magnífica interpretación, entre ellos el Oscar al mejor actor de reparto. Es muy clara la influencia de Sergio Leone en este film, por sus imágenes, su música y su puesta en escena, propia del spaghetti western. Y es que, con el paso de los años, Tarantino ha ido demostrando que es una especie de "buitre", pues coge ideas de otros directores y las reúne en sus películas dándole un resultado fabuloso y sin caer en el plagio. Con este film Tarantino vuelve a encontrarse con una gran división de opiniones. Para algunos esta cinta es la idea más ridícula que ha salido de la mente del director americano, mientras que otros la encumbran sosteniendo que es una de las mejores películas del gran Quentin Tarantino.

Dicho esto, y esperando más material de este gran director, nos despedimos. Esperemos que hayan disfrutado del artículo, pero más aún esperemos que disfruten tal como hacemos nosotros con las maravillosas películas que han hecho de este gran cineasta una de las mayores referencias del cine actual y una de los mayores genios de la historia del cine.

Y

Simón del desierto (Luis Buñuel, 1945)

Argumento: 

El estilita Simón se ha mantenido en penitencia de pie sobre una columna por más de seis años. Un rico devoto le obsequia una mejor columna y Simón realiza el milagro de devolverle las manos a un mutilado. Durante varios días, Simón continúa en penitencia mientras el diablo se le aparece tratando de tentarlo.

Critica: 

Desde siempre me atrajo mas el diablo.

No es solo que no sea creyente, es que desde siempre me atrajeron mas lo malos en las películas, ni que decir ese Jeremy Irons en "la jungla 3", o ese John Malkovich "en la linea de fuego" películas que no pasan del mero entretenimiento pero que un malo muy malote hace que gane algo mas de interés.

Sin tener nada que ver me pasó lo mismo viendo Simon del desierto, yo entre un devoto cristiano subido en una torre sin apenas beber, comer y sin otros bonitos verbos que tenemos en el vocabulario y un diablo que se disfraza de niña atractiva, de cura desconfiado o de su mujer con barbas y una peonza, pues señores a mi me simpatiza mas el diablo.

¿Qué más nos queda?, pues tenemos una comedia muy irónica, con un manco que recupera sus manos y lo primero que hace es darle una colleja a su hijo, un Simon que de beato es pesado, un par de tetas para provocar (porque al diablo le gusta provocar) y un final tosco pero sorprendente que me vuelve a reafirmar, yo prefiero al diablo.

J

Película recomendada: Tiempos modernos (1936)

La comedia como arte

Charles Chaplin era un genio, un genio de una calidad artística descomunal, creo que eso es algo que a pocos puede sorprender a estas alturas de la vida. Pero creo que se merece que lo recordemos no como uno de los mayores actores o directores de la historia del cine (que también), sino como uno de los mayores artistas del siglo XX.

La comedia es probablemente el género cinematográfico que más me gusta de todos. Esta afirmación me ha costado varias discusiones entre algunos de mis amigos y la verdad es que no les falta razón al decir que es una opinión bastante extaña (y más en una persona con un gusto cinematográfico tan amplio como es el mío). Efectivamente este género es probablemente el que contiene más basura de todos. No me voy a poner a decir películas que manchan el buen nombre de la comedia porque entonces esta crítica que pretende ser breve sería interminable. Nos encontramos ante uno de esos casos en los que el porcentaje de "películas buenas" es minúsculo.

A la gente que les gusta las películas (que no el cine) les suele interesar ir al cine a reirse de películas vacías con dos o tres gags graciosos y hartarse de palomitas y refrescos. Ésta es la concepción que se tiene hoy en día de la comedia, que desde luego no se corresponde con la mía. Para un servidor la comedia es lo más grande que podemos ver en una pantalla de cine, no busco reirme, busco disfrutar con situaciones cómicas, que es bastante distinto. Hay muchas comedias a las que considero obras maestras y en las cuales no he encontrado ninguna escena, ningún sketch, ningún chiste con el que reirme, porque la risa no tiene que estar obligatoriamente ligada a la comedia.
La comedia es en mi opinión un reflejo de nuestros anhelos y nuestras ilusiones, un arma para demostrar que la vida puede ser maravillosa o dolorosa pero siempre desde una perspectiva agradable, un instrumento para transportarnos a un mundo dónde podemos disfrutar y evadirnos de lo que nos rodea. La comedia, en definitiva, no debería representarse con la risa, sino con una sonrisa.

Ésta crítica no va dirigida a esta monumental obra llamada "Tiempos modernos", ya que poco o nada se puede decir de esta maravilla que no se haya dicho ya. Ésta crítica va dirigida a los grandes maestros del cine cómico, un pequeño e insignificante homenaje a las personas que hicieron de la comedia un arte porque, como buen amante del cine disfruto con las comedias del maestro Billy Wilder, saboreo el sutil y personal humor del gran Woody Allen, me deleito con las grandes películas de los hermanos Marx... y desde luego, amo el cine de Chaplin, me fascina su peculiar humor tantas veces imitado pero nunca ni siquiera igualado, disfruto de su magistral habilidad para mezclar el drama con la comedia. Amo la comedia, y por tanto amo el legado del gran Charles Chaplin.

Muchas gracias Charlie, muchas gracias de corazón.

Y

Tres grandes homenajes al cine

Amamos el cine y como nosotros otras muchas personas aman el cine. Pero ¿que es el cine para nosotros? Lo tenemos claro, no solo es entretenimiento (que también), para nosotros el cine es arte, un arte que se nos mete por el cuerpo, nos llega muy adentro, juega con nuestros sentimientos y cuando se va, termina la película, nos deja un algo que perdura para siempre. Esa sensación solo lo consigue unas cuantas grandes películas (la mayorías antiguas y muchas en blanco y negro, aunque los jóvenes de hoy en día digan que se aburren con esas películas) y la verdad es que no hay placer mas grande que ver uno de esos films que te dejan tocado o te hacen pensar y reflexionar durante horas, porque señores a nosotros nos gusta pensar, queremos que el cine nos haga pensar y sentir, nos gusta tanto el surrealismo como el neorrealismo, el cine de autor como el cine de grandes estudios, y como nosotros hay algunos directores que sintieron lo mismo y lo plasmaron en la pantalla.
Aquí os dejamos tres muestra de ello, tres grandes homenajes al cine de tres grandes cineastas como son Bernardo Bertolucci, François Truffaut y Giuseppe Tornatore. Tres grandes obras, que de una forma u otra nos transmite la grandeza de otras grandes obras.

-Soñadores (Bernardo Bertolucci 2.003)

Juegos cinefilosexuales en el París de la revolución estudiantil.

-Argumento:
París, 1968. Isabelle (Eva Green) y su hermano Theo (Louis Garrel), solos en la ciudad mientras sus padres están fuera, invitan a su apartamento a un joven estudiante americano, Matthew (Michael Pitt), al que han conocido en un cine. Una vez en casa, establecen unas reglas para conocerse mutuamente, explorando emociones y erotismo a través de una serie de juegos extremadamente arriesgados.

-Critica:
El cine represento en lo años 60 (década del nacimiento de la nouvelle vague) la libertad de expresión, cineastas, intelectuales y estudiantes se echaron a la calle por un mundo mas justo. Bertolucci lo plasma con un amor al cine de Godard, del propio Truffaut (que después hablaremos de una peli suya), Louis Malle y algunos otros, junto con grandes del cine clasico como Chaplin o Buster Keaton, en unos juegos que representaba lo que podría ser la época, unos jóvenes inquietos por la cultura, por la libertad, tanto de expresión como sexual.
Aquí os dejo una frase entre dos de los protagonistas que define bien lo que es el film.

“(…) Theo: Escucha Matthew...
Matthew: ¿Sí?
Theo: Tú eres un gran cinéfilo.
Matthew: Sí.
Theo: ¿Y por qué no ves a Mao cómo un gran director, haciendo una película con millones de actores, con sus miles de guardias rojos marchando juntos hacia el futuro con el pequeño libro rojo en la mano? Libros, no armas. Cultura, no violencia ¿No crees que sería una magnífica película épica?
Matthew: Supongo, pero… Es fácil decir “Libros, no armas”, y no es cierto. No son libros… Es Libro, un libro… Sólo es un libro.
Theo: ¡Cállate! Hablas igual que mi padre.
Matthew: ¡No, no! No, escúchame. Esos… Esos guardias rojos, a los que admiras, llevan todos el mismo libro, y cantan las mismas canciones y repiten como loros las mismas consignas. En esa gran película épica, todos ellos son extras. Da miedo. Me pone la piel de gallina. Siento decirlo, pero, para mí, hay una clara contradicción.
Theo: ¿Por qué?
Matthew: Porque si de verdad creyeras lo que estás diciendo, estarías fuera.
Theo: ¿Dónde?
Matthew: Ahí, en la calle.
Theo: No sé a qué te refieres.
Matthew: Sí, lo sabes. Está pasando algo, algo que podría significar algo importante, que podría hacer que las cosas cambien, incluso yo lo noto, pero no estás fuera. Estás dentro conmigo bebiendo vinos caros, hablando de cine, hablando de… maoísmo, ¿por qué?
Theo: Ya basta.
Matthew: No, dime por qué.
Theo: Basta.
Matthew: Pregúntate por qué. Porque no crees en ello de verdad. Te compras la lámpara y pegas los posters en la pared, pero no creo que…
Theo: Hablas demasiado (…)”

La noche americana (François Truffaut 1.973)

Tortuoso rodaje de un chico que robaba los posters de ciudadano kane.

Argumento:
El rodaje de una película tropieza con una serie de dificultades que afectan tanto a los miembros del equipo como a la propia película.

Critica:
Truffaut dirige y Truffaut interpreta a un director en su particular homenaje al cine. Podría ser la típica historia de rodaje complicado de una película con los líos de los protagonistas, tal como se ha visto en muchas otras, pero lo que hace grande a este film es ese amor al séptimo arte que desprende, ese Truffaut rebuscando entre sus papeles y donde aparecen libros editados por la Cahiers du Cinéma sobre directores como Orson Welles, Renoir, Cocteau, Vigo, Bresson, Buñuel, Hawks, Rossellini o Hitchcock. O ese Truffaut que soñaba cuando era pequeño y robaba de un cine todos los carteles de ciudadano kane y se iba corriendo como si hubiese robado un banco, porque quizás para Truffaut el cine tenía mas valor que todo el dinero que pudiese tener el mayor banco del mundo.

Aquí os dejo una frase de la película:
Yo por una película dejaría a un hombre pero por un hombre nunca dejaría una película.

Cinema Paradiso (Giuseppe Tornatore 1.988)

Besos prohibidos por una censura despreciable.

Argumento:
Cinema Paradiso es una historia de amor por el cine. La película narra la historia de un niño de un pequeño pueblecito italiano en el que el único pasatiempo es disfrutar de las películas del cine Paradiso. Encantado por las oscilantes imágenes, Salvatore deseaba con todas sus fuerzas que el cine fuese en realidad magia. Un día, Alfredo, el operador de cine, accede a enseñar al pequeño los misterios que se ocultan en una película. Todos los niños de la pequeña villa van creciendo, sin perder nunca su amor por el cine, pero llega el momento en el que Salvatore debe dejar el pueblo y comenzar a buscar sus sueños. Y así ocurre durante treinta años hasta que un día un mensaje le comunica que debe volver a casa donde un secreto le espera.

Critica:
"Cinema Paradiso" debería formar parte de ese puñado de películas elegidas que todo el mundo tendría que ver alguna vez, no para ver buen cine, sino para formarse como ser humano".

Lo siento ha habido plagio, esa frase no es mía, la he leido y he tenido que ponerla porque no hay, ni habrá una frase que pueda definir mejor lo que significa cinema paradiso.
De verdad que si no se te llenan los ojos de lagrimas con su maravilloso final es que no eres persona, es una de las películas mas bellas que se han hecho, el mejor homenaje que podría tener el cine, la pantalla rebosa pasion por el séptimo arte a traves de la historia del anciano y el niño. Con una banda sonora impresionante del maestro Ennio Morricone que hace que el total del film se pueda considerar obra maestra.
Reflexión:
Nunca sabre porque el pueblecito mediterraneo de cinema paradiso me recuerda tanto a mi pueblo, un pueblo falto de cultura y lleno de censura, en donde la dictadura se disfrasa de democracia (en mi pueblo) y donde la libertad esta muy limitada.

Bueno esto es todo, hay muchas más que podría haber puesto pero yo pienso que estas tres son un perfecto ejemplo de como el amor por el cine hace que grandes directores le hagan su particular homenaje en la pantalla, os recomiendo que la veais tanto los que amais esto como los que estais empezando a descubrir el inmenso mundo de riqueza que se esconde detras de una pantalla y de que no solo existe Hollywood y su afan de vender entradas, que existe un cine inteligente que merece la pena de ver.

J

Película recomendada: La parada de los monstruos (1932)

Esperpéntica fábula

 

En alguna ocasión, todos y cada uno de nosotros nos hemos sentido como un ser extraño. Puede ser por lo que nos gusta, por lo que pensamos, por lo que creemos... Pero, afortunadamente para la mayoría, solo unos pocos saben realmente lo que es sentirse un "monstruo" al igual que los personajes de esta terrorífica cinta.

Browning fue realmente valiente al llevar esta película a los cines nada menos que en 1932.
Hoy en día podemos eliminar un miembro del cuerpo o desfigurar un rostro a nuestro antojo en el cine gracias a las nuevas tecnologías, pero en los años 30 no contábamos con esos adelantos, por tanto el director tuvo que proveerse de auténticos discapacitados físicos para protagonizar el film. Si hoy en pleno siglo XXI me horrorizo de ver esta película, no por que salgan este tipo de personajes, sino por el trato que se les da, exhibiéndolos como animales, no quiero ni pensar el impacto que causó esta película hace 80 años.

Podríamos hablar largo y tendido sobre a qué género pertenece esta película. Aunque en esencia es un drama (o melodrama incluso), podríamos hablar de rasgos del cine de terror, de humor negro o incluso se puede vislumbrar cierto toque de cine negro.

En resumidas cuentas, la moraleja de esta fábula es bastante clara: esta vida es un gran circo, te discriminan, se ríen de ti y te tratan como a un monstruo sólo si eres distinto al resto, pero cuidado, porque algún día los monstruos podríamos ser realmente parte de vuestras pesadillas...

Y

Película recomendada: La sal de la tierra

La discriminación nunca puede ser positiva

Una película necesaria, deberían poner a todos los políticos españoles en una sala y hacérsela ver y que se pongan a pensar que realmente puede ser la igualdad y que es una lucha de clases. Una lucha de unos mineros mexicanos por tener las mismas condiciones de trabajo que sus compañeros anglosajones y una lucha de las mujeres de esos mineros por el mismo objetivo y por la igualdad en sus hogares y en la sociedad en que viven.

Hoy en día se confunde la igualdad con la discriminación "positiva", y ¿como una palabra tan negativa como discriminación puede ser positiva?, y ¿como puede contener el objetivo de conseguir la igualdad la palabra discriminación?.

La película que es un relato semidocumental, con personajes reales, con serios problemas en su realización, se ha convertido en un clásico del cine social, de un problema que a día de hoy sigue existiendo y con políticos como los que tenemos, es posible que el problema se agrave en vez de solucionarlo de una vez por todas.

Como curiosidad añadir que la película es uno de los pocos films preservados por la Librería del Congreso de los Estados Unidos por su importancia histórica y cultural.

J