Película recomendada: Él (Luis Buñuel, 1953)

Los celos:
Sospecha o inquietud ante la posibilidad de que la persona amada nos reste atención en favor de otra.

Los celos, esa extraña enfermedad en la cual te hace pensar en que otra persona te pertenece.
¿Que es la pertenencia? se puede tener un coche, una moto, una mesa o una silla, pero jamas se es dueño de ninguna otra persona, ya que ante todo, todos somos personas independientes y libres.
Lo que me parece mas triste de todo es cuando en una pareja uno de los dos individuos le exige al otro que se ponga celoso, porque es una muestra de que lo quiere, de que le importa.
¿Que es el amor?, si realmente quieres a alguien ¿por qué no dejarla libre, que sea feliz, que haga lo que le plazca?, acaso si esa persona también te quiere, ¿te engañaría? o ¿acaso es que desconfiáis tanto de vosotros mismos que no podéis confiar en nadie más?.
Un buen amigo me dijo una vez que los celos son desconfianza en uno mismo y realmente pienso que es la mejor definición que he escuchado nunca.

La película trata de un hombre bien posicionado, bien visto por todos, muy religioso y virgen,(mas que esa tal María) que se enamora de la novia de un amigo suyo.
En una fiesta consigue conquistarla y se acaban casando, desde ese momento empieza el calvario de ella y la locura de él.
Tristemente eso sucede continuamente, ¿quien no conoce una pareja amargada por los celos?¿cuantas personas hay que no pueden ni saludar a una persona del sexo opuesto?
!!Que gilipollez!!

El maltrato:
Tratar mal a una persona, con golpes, regaños, insultos, desprecio, etc

Una escena que define casi toda la película, la madre y la hija hablando, la madre acababa de hablar con el marido de su hija, que le había confesado todo el calvario que estaban pasando.
La hija amargada, maltratada, espera consuelo, comprensión de su madre y solo encuentra de respuesta "el te quiere, los celos es porque te quiere, deberías estar contenta de esos celos y ser mas cariñosa con el, la culpa es tuya hija".
Esa mentalidad de inferioridad está presente hoy en día en nuestra sociedad, en donde hombres y mujeres son maltratados y dominados por sus parejas y se sienten culpables porque piensan que no valen nada y la culpa es suya por no cumplir las expectativas que su pareja tenía puestas sobre el o ella.
Esto hace que se admita insultos, ordenes, reglas de comportamiento y demás como algo normal en la vida de una pareja y que se pierda la esencia que cada individuo tiene por si misma. Solo cuando el problema se convierte en algo visible para todos, como el maltrato físico, se piensa que de verdad existe un maltrato real.
Hoy en día miles de hombres son maltratados física y psicológicamente y por vergüenza no hacen nada, y miles de mujeres que son maltratadas, por miedo se quedan calladas.
Un problema de todos, que posiblemente con un cambio en la educación y de mentalidad se erradicaría, un poco al menos, enseñándoles a los niños que una persona no tiene dueño y que el respeto al prójimo es lo mas importante.

J

David Lynch, el genio abstracto

Me gustaría dedicar el artículo de hoy a este gran genio, a este gran director, a este gran guionista, a este gran pensador. Un director tan vanguardista como incomprendido en la realización de sus films. Alabado por unos, odiado por otros. En definitiva, hablemos de David Lynch.

No nos centraremos en su vida personal, ni en sus años de infancia, para ello podéis consultar diversas páginas con información sobre la vida del director de Montana. Nos centraremos principalmente en sus trabajos dentro del mundo del celuloide.

Su primer contacto con el cine radica en la realización de diversos cortometrajes a lo largo de los años 60 y 70, gracias a los cuales logra que la AFI le conceda una beca que empleará para dirigir su primera película: Cabeza Borradora. La película es oscura, vanguardista, claustrofóbica. Protagonizada por Jack Nance, narra de forma surrealista la vida de un hombre perturbado por diversos sueños de enigmático significado y cuyo hijo es un auténtico monstruo. La película se comienza a rodar en 1971, pero no se estrena hasta 1977. Este primer film guarda muchas de las características del cine de David Lynch: utilización de los sueños, el uso de imágenes surrealistas, independencia total...

En su segunda cinta, Lynch narra las desventuras de un hombre completamente deforme (John Hurt) y el médico que intenta ayudarlo (Anthony Hopkins), en el Londres del siglo XIX.  La película es bautizada como El Hombre Elefante y se estrena en 1980. La cinta es bastante más accesible que su primer largometraje, aunque la estética es oscura, siniestra, grotesca y a ratos recordando el expresionismo alemán. La película es nominada a 8 premios Oscar, de los cuales no gana ninguno. Esto hace que Lynch entre con nombre propio entre el círculo independiente del cine.

En 1984 el productor Dino De Laurentiis le ficha para dirigir su tercera película: Dune, adaptación de la novela homónima de Frank Herbert. Para muchos resulta extraño ver a Lynch dirigiendo una película de un género tan poco asociado a su cine como es la ciencia ficción, y más aún cuando el propio director decidió rechazar dirigir “El Retorno del Jedi”. Para el papel protagonista Lynch cuenta con uno de sus actores más recurrentes: Kyle MacLachlan. La película no gusta ni a la crítica, ni al público, ni siquiera al propio director, el cual la considera un auténtico fracaso. A pesar de ello, con el paso de los años a la película le han salido bastantes adeptos y defensores, llegándose a catalogar incluso como película de culto, principalmente por su originalidad.

En 1986, Lynch rueda una de sus pequeñas obras maestras: Terciopelo Azul. La cinta está producida de nuevo por Dino De Laurentiis y la banda sonora está compuesta por otro personaje recurrente en las posteriores películas del director norteamericano, Ángelo Badalamenti. Con “Terciopelo Azul”, Lynch nos narra en clave de cine negro las peripecias de un estudiante que, tras encontrar una oreja humana en un jardín, se ve envuelto en una misteriosa trama de crimen, sexo y violencia. Protagonizada por Kyle MacLachlan, Isabella Rossellini y Dennis Hopper, la película resulta tan poco convencional como enigmática, dado que Lynch vuelve a recurrir a situaciones oníricas como hilo argumental. Gracias a esta película el director logra una nominación a los Oscar como mejor director, aunque finalmente no lo ganará.

En su quinto film, David Lynch cuenta en clave de “road movie” la huida de dos jóvenes amantes (Laura Dern y Nicolas Cage) con el fin de escapar de la madre de la chica. La película se titula Corazón Salvaje, y gana la Palma de Oro en el Festival de Cannes en 1990. Pese a no encontrarse entre las películas más notables de su filmografía, la película cuenta con un buen acabado tanto estético como narrativo.

Ese mismo año, Lynch crea de la nada lo que probablemente sea su producto más comercial y reconocido internacionalmente, la serie de televisión Twin Peaks. La serie, dividida en dos temporadas, narra la investigación policial del asesinato de una adolescente en un peculiar pueblo americano. La serie, protagonizada por Kyle MacLachlan, cuenta con altas cotas de audiencia y la lleva a ganar diversos premios.

Dos años más tarde Lynch dirige Twin Peaks: El Fuego Camina Conmigo, precuela de “Twin Peaks”, odiada por unos y adorada por otros tantos, que narra los últimos días de vida de Laura Palmer, la adolescente asesinada en la cual se centra principalmente la trama de la serie. La película, además, sirve para resolver algunos cabos sueltos que deja la serie a su fin.

Tras varios proyectos que no llegan a prosperar, en 1997 dirige el que será su séptimo largometraje: Carretera Perdida. Con este film, Lynch vuelve al surrealismo más enfermizo, narrando la historia de un músico que recibe misteriosas cintas de video junto con su esposa. La película, protagonizada por Patricia Arquette y Bill Pullman, podría definirse como un thriller tan extravagante como enigmático, tan claustrofóbico como enfermizo. Situaciones exageradamente oníricas, giros argumentales desorbitados y una narración tan caótica como genial son las bazas de la película más paranoica de la filmografía del director hasta esa fecha…

En 1999, David Lynch da un giro de 360 grados a su filmografía dirigiendo Una Historia Verdadera, cinta basada en el viaje de un anciano, interpretado magistralmente por Richard Farnsworth (nominado al Oscar al mejor actor) , utilizando un cortacésped como vehículo para visitar a su hermano enfermo. En este film, Lynch saca a relucir su lado más humano dirigiendo una verdadera obra maestra que llegó a los corazones de millones de personas.

Dos años después, Lynch recicla el piloto de una serie que no llega a emitirse y lo transforma en su siguiente largometraje: Mulholland Drive. En la línea de “Carretera Perdida”, Lynch construye una película enigmática, caótica y enfermiza, que narra las extrañas peripecias que sufren una mujer amnésica (Laura Elena Harring) y una joven actriz (Naomi Watts). El director de Montana vuelve por sus fueros con esta película, catalogada de culto (como la mayoría de la filmografía del director), y logra una nueva nominación al mejor director.

En 2006, Lynch presenta el que es su último film hasta la fecha, la inquietante Inland Empire. La película, protagonizada por Laura Dern y Jeremy Irons, es excesiva, incluso para la retorcida mente de Lynch, que logra un surrealismo total y extremo con esta cinta. La película es encumbrada por unos, que sostienen en que Lynch ha creado una obra de arte abstracta, y detestada por otros, que piensan que a Lynch se le han perdido los pocos tornillos que le quedaban. Una vez más, se hace presente la dualidad que suscita este director…

Genio para unos, pretencioso para otros, esta es la filmografía de un director que ha sabido dar rienda suelta a su creatividad expresándose de una manera tan vanguardista y extraordinaria, que merece el reconocimiento en el mundo del cine. Por todo ello, Lynch, genio y figura.

Y

Descansa placidamente mister Berlanga

Luis García-Berlanga Martí (Valencia, 12 de junio de 1921 – Madrid, 13 de noviembre de 2010)

Se nos fue uno de los mas grandes directores y guionistas del cine español.
Un hombre capaz de hacernos ver la sociedad española, la pobreza, lo mezquino de la sociedad cristiana y todo eso evitando la censura franquista.                                                                                                
Eso me hace pensar en la inteligencia que podrian tener esos señores               filmografia.
censores, ya que no son capaces de captar la ironía y quizás pensaban         Elsueño de la maestra (2002)
que en la película "plácido" salía bien parada nuestra sociedad cristiana,     París-Tombuctú (1999)
que acogía en navidad a sus pobres para darles de comer,                        Blasco Ibáñez (TV) (1997)
cuando en verdad es un "vamos a guardar las apariencias".                        Todos a la cárcel (1993)
O como es capaz de hacer en tono de humor una manifestación                Moros y cristianos (1987)
en contra de la pena de muerte en su película "el verdugo" y que nadie      La vaquilla (1985)
se de cuenta de lo que realmente esta contándonos este hombre,              Nacional III (1982)
ya que si no hubiese sido prohibida como tantas otras.                              Patrimonio nacional (1981
Nos regalo !bienvenido mister Marshall! una película tan                           La escopeta nacional (1978)
antigua como actual, ¿acaso no seguimos vendiéndonos por unas              Tamaño natural (1973)
limosnas de americanos, ingleses o alemanes?.                                          ¡Vivan los novios! (1970)
Eso me hace reflexionar si Berlanga fue un adelantado a su tiempo,       La boutique (Las pirañas)(1967)
o simplemente la mayoría de los alcaldes de los pueblos turísticos             El verdugo (1963)
le han podido influir tanto esta película.                                                     Las cuatro verdades (1962)
Y como ese viejo genio de "calabuch" (sátira antinuclear, antimisiles,         Plácido (1961)
anticapitalista y mas antis que ahora mismo no me salen) buscó                 Los jueves, milagro (1957)
su refugio particular para vivir en la utopía de la paz y la libertad.              Calabuch (1956)
Porque la vida es para vivirla en libertad y tu Berlanga siempre estarás      Novio a la vista (1954)
vivo en el corazón de todo buen cinéfilo.                                            ¡Bienvenido, Míster Marshall(1952)
Solo me queda darte las gracias por todo lo que nos a regalado.               Esa pareja feliz (1951)
Descansa placidamente mister Berlanga.

j

Película recomendada: Ciudad de vida y muerte (2009)

Tan emotiva que conmueve, tan tenebrosa que asusta

Tan sólo comenzar a ver esta película sabía que vería algo muy grande. Me imaginaba que me encontraría con una bella y durísima película bélica. Me imaginaba que estéticamente me iba a encantar. Lo que no podía llegar a imaginar es que me encontraría ante una auténtica obra maestra.

El chino Lu Chuan nos muestra con una crudeza impresionante los acontecimientos que ocurrieron durante la toma de la ciudad de Nanking (por aquel entonces capital de China) por el ejército japonés durante la segunda guerra ocurrida entre Japón y China.

He de decir que mis conocimientos sobre este triste conflicto son prácticamente nulos, y que gracias a este estupendo film voy a remediar documentándome un poco sobre esta guerra, y en especial sobre los hechos ocurridos en la cinta.

Ante todo nos encontramos con una película increiblemente dura. Personas extremadamente sensibles deberían abstenerse a ver esta película. Hay momentos en el film realmente dificiles de ver (se me vienen algunas escenas a la cabeza y se me revuelve el estómago).

No quiero parecer sádico, pero creo que películas como esta son necesarias hoy en día. Con cintas como esta podemos darnos cuenta de lo que tenemos, podemos darnos cuenta de lo que sufrieron (y sufren) muchos seres humanos, podemos darnos cuenta de lo afortunados que somos algunos...

Hablando un poco del apartado técnico, la película es sobresaliente prácticamente en todos los aspectos. Genial guión, grandes actuaciones, magistral fotografía en blanco y negro, buena banda sonora... Como apunte personal, destaco la última escena del film. Sencillamente extraordinaria.

Ya solo me queda, como siempre hago, recomendarles que vean esta excelente película (aunque recalco que no es para cualquier tipo de persona). No se arrepentirán, se lo garantizo.

Y

Nouvelle vague

La nouvelle vague fue un fenómeno cinematográfico nacido en Francia a finales de los 50 y principios de los 60, sus creadores eran críticos de la revista "Cahiers du Cinema", convertidos en directores de cine, que con la opinión de sus lectores crearon un cine entonces totalmente vanguardista, rompiendo con todos los moldes que marcaba el cine europeo o americano.
Una "ola nueva" de directores tales como François Truffaut, Jean-Luc Godard, Jacques Rivette, Éric Rohmer o Claude Chabrol, y sobre todos ellos su precursor Jean Pierre Melville.

Algunas de las características de este nuevo movimiento cinematográfico eran, cámaras no profesionales al hombro, sin iluminación artificial en entornos naturales, con muchísima improvisación y sobre todo la libertad tanto de expresión como creativa.

Estas nuevas maneras de hacer películas y las nuevas historias que se contaban en ellas crearon una nueva manera de vivir, más libre y espontánea, que caló con rapidez en la juventud de finales de la década de los 50.


Aquí os dejo algunos ejemplos de la nouvelle vague.

-Al final de la escapada (Jean-Luc Godard 1.960): una maravilla, la película mas exagerada de este movimiento, cambios bruscos de cámara, empalmes alocados, conversiones sin mucho sentido, una Jean Seberg absolutamente preciosa y un Jean-Paul Belmondo poniendo morritos todo el tiempo, para una de las películas mas influyentes de la historia.

-Los cuatrocientos golpes (François Truffaut 1.959): Una historia sobre la falta de amor de unos padres sobre su hijo de 12 años y la búsqueda de la libertad de este en un mundo que no entiende.
Mas cercana al neorrealismo italiano que al nouvelle vague, una película menos experimental que "al final de la escapada", pero también una obra maestra de otro de los precursores de este movimiento.

-Banda aparte (Jean-Luc Godard 1.964): Otra magnifica película de Gordard, dos chicos y una chica se conocen en unas clases de ingles, y deciden hacer un robo en casa de esta. Esta historia sacada del cine negro sirve a godard para crear una relación de amor odio a tres bandas, con algunas escenas memorables, (sobre todo el minuto de silencio), un baile que me recordó a pulp fiction (cuanta influencia pudo tener Godard en el cine de Tarantino), o el record de tiempo en ver el museo louvre y con unos diálogos magistrales, muy recomendable.

-El fuego fatuo (louis malle 1.963): vida de un alcohólico después de pasar por una terapia de desintoxicación, película llena de sentimientos y de moralidad, de como el mundo ya no es lo que era y nadie realmente hace nada por ayudarte.
Magnifico ejemplo de como hacer un drama sin caer en el dramatismo barato, una gran película de un jovencito Louis Malle.

-Hiroshima, mon amour (Alain Resnais 1.959): Poesía hecha película, con unos quince primeros minutos semidocumental que roza la obra maestra, para una de las películas mas tristes de la historia del cine.
La Hiroshima del 59 es testigo de la trágica historia de amor ocurrida en Nevers (Francia) días antes de la bomba atómica.

-Mi noche con Maud (Éric Rohmer 1.969): Una reflexión moral sobre un católico y su forma de vivir, sobre una mujer mucho más liberal que defiende el hedonismo, una película basada totalmente en sus diálogos, en ideas contraopuestas y a la vez muy cercanas entre si.

-Cleo de 5 a 7 (Agnès Varda 1.961): Una joven cantante espera los resultados de unos análisis médicos ya que es posible que tenga cancer. La película transcurre casi en tiempo real, las dos horas de espera de la protagonista se resume en hora y media de miedos y esperanzas.
Muy buena película de Agnes Vardà, la hermana rebelde y feminista de la nouvelle vague.



Conclusiones personales:

¿Por que decidí escribir un articulo sobre la nouvelle vague? la verdad solo había visto la película "al final de la escapada" que me encanto, me dio una sensación de libertad, de casi anarquismo en la forma de contarte una historia, romper con lo establecido, con la manera de hacer "las cosas bien", que decidí que tenía que ver mas sobre la nueva ola, ¿y como obligarme a ello? pues comprometiendome a escribir un articulo que espero que sea útil a quien quiera adentrarse en la nouvelle vague.
Solo espero que disfrutéis de estas películas como yo he disfrutado viéndolas y como también lo he hecho escribiendo todo esto.

Podéis encontrar mas información del movimiento en wikipedia, y criticas mas extensas de estas películas en filmaffinity.

j

Película recomendada: Fargo (1996)

No es la Ley de Murphy, es la Ley de Coen

La Ley de Murphy dice lo siguiente: “Si algo puede salir mal, saldrá mal”. Esta ley podría aplicarse perfectamente a toda la película, pero no, va mucho más allá. Podríamos aplicar lo que un servidor llama “Ley de Coen”: “Si algo puede salir mal, saldrá peor”.

Los hermanos Coen consiguen con su quinto largometraje esa obra maestra que llevaban tiempo intentando conseguir. La cinta podría considerarse como la evolución de su primera obra, “Sangre Fácil”, aunque mucho más lograda en cuanto a guión y dirección. Para ello nos trasladan a las nevadas estepas de Minnesota dónde un padre de familia planea con dos ladrones de poca monta el secuestro de su propia esposa para que su rico y avaricioso suegro pague el rescate. Una policía embarazada será la encargada de investigar el caso.

Ante esta poco frecuente y absurda trama, ¿qué podemos esperar de este film?

En mi modesta opinión una de las mayores obras cinematográficas de los años 90.

Esta película suele calificarse como thriller, como drama, como película de suspense… Créanme si les digo que no es nada de eso. Es simplemente una de las comedias más negras y amargas de la historia del cine. Motivos como las situaciones absurdas (un marido que secuestra a su esposa para obtener dinero de su suegro), personajes extraños y poco creíbles (una policía embarazada investigando un caso de secuestro), y sobre todo por ese humor sádico y a veces macabro que desprenden los Coen en sus películas, hacen que esta sea una de las comedias más estrambóticas de todos los tiempos.

Una cinta poco convencional, con un guión tan extraordinario como surrealista, con la que los hermanos Coen alcanzaron por fin el éxito.

Observando los aspectos técnicos de la película, notamos que el plantel de actores es exquisito, con una insuperable Frances McDormand (que ganó el Oscar a la mejor actriz por este film), un magnífico Steve Buscemi y unos geniales William H. Macy y Peter Stormare. También contamos con un excepcional guión made in Coen (ganador del otro premio de la Academia para esta película, además del de mejor actriz) y una extraordinaria fotografía.

En definitiva, solo me queda  recomendarles que vean esta genial cinta, que podrá gustarles más o menos, pero lo que es seguro es que no quedarán indiferentes.

Y

Película recomendada: El ángel exterminador

Atención este articulo rebela partes importantes del argumento de la película, si tenéis intención de verla, no lo leáis.

La clase social alta, esos extraños seres que te miran por encima del hombro.
Esos de los cuales necesitan ropa cara y comer extravagantes comidas cuando son observados, imposible verlos repetir un vestido o un traje en una fiesta importante, miserables que se creen mejores que el resto, te suelen exigir hablarles de usted o de don, mientras ellos al camarero de turno los mira con desprecio y le dicen niño sirvame esto o lo otro, suelen hacer actos de caridad como robar niños saharauis durante tres meses, dándoselo todo, quitándoselo a sus padres, para sentirse ellos mejor persona, sin importarles el daño que les pueda causar a esos niños o familiares.

Atención lo siguiente es un spoiler.


Individuos como esos en una fiesta, todo va correctamente, pero nadie se marcha, están atrapados, atrapados por sus complejos, la primera reacción es criticar el comportamiento ajeno "¿por que no se van?", "que maleducado se quita la chaqueta" "¿pero es que no tienen casa?" pero todos son iguales de miserables, nadie se pregunta por que esta allí, si no mas bien por que no se ha ido el resto.
Pronto se dan cuenta que no pueden salir de la habitación, están aprisionados por su egoísmo, no pueden entender por que no son capaces de salir de allí.
Unos están cansados, otros solo piensan en estar solos donde nadie pueda ver que son humanos, no son perfectos, son débiles, aunque aparentan ser, por que su clase así lo exige.
Ellos son "perfectos", la culpa no es de ellos, la culpa es del promotor de esa fiesta, "algo ha hecho para que no podamos escapar de nosotros mismos", "!!hay que matarlo!!".
Atrapados se convierten en seres infernales, solo piensan en buscar una cabeza que cortar, ya no importa el dinero, ya no tienen que guardar las formas, en situaciones extremas demuestran lo que siempre han sido,
vampiros que a falta de poder o dinero ya solo buscan sangre, la vida humana nunca les importo nada, pero por fin lo pueden poner de manifiesto.
En cambio los que se sienten amenazados y los que aun están en sus cabales intentan hacerles comprender lo que quieren hacer, sin éxito, hasta que por fin ven una esperanza de salir y de una nueva oportunidad.
cuando se llega a lo mas bajo solo queda poder resarcirse y mejorar y uno personalmente espera que así sea.

 J