En el artículo de hoy lo dedicaremos al uso de la música en el cine, que no a las bandas sonoras. Hablaremos de directores que saben usar como nadie canciones o piezas de música (no originales) en sus películas. La música es un elemento muy importante en el mundo del cine, bien usada es casi un personaje más en el reparto de un film. Solo vamos a nombrar a algunos directores, nos dejaremos muchos fuera pero obviamente no tenemos espacio para todos.
Podemos empezar hablando de uno de los grandes cineastas de la actualidad, el icono de la cultura pop en el cine, hablamos por supuesto de Quentin Tarantino. Un gran y reconocido amante de la música, Tarantino usa canciones de muy diversos estilos para darle un toque único a sus cintas. Podríamos mentar el famoso baile entre Uma Thurman y John Travolta en "Pulp Fiction" o el travelling inical con Pam Grier en "Jackie Brown", pero personalmente nos quedamos con esta extraordinaria escena (probablemente mi favorita del director de Tennessee) de "Reservoir Dogs" protagonizada por Michael Madsen y con música de los Stealers Wheel y su "Stuck In The Middle With You":
http://www.youtube.com/watch?v=o59EZfxrRs0
Otro grande en este arte de incluir música en el cine es Jim Jarmusch. El mayor icono del cine independiente americano es otro gran melómano y lo demuestra en todas sus películas. Por ejemplo en una de sus primeras y más importantes obras, "Extraños en el paraíso", Jarmusch nos regala esta bonita escena con música de Screaming Jay Hawkins y su tema "I Put A Spell On You":
http://www.youtube.com/watch?v=2sB64lure2E&feature=related
No podemos hablar de música en el cine y no hablar de Wong Kar-Wai. El director chino es quizás el mejor utilizando la música en los bellos planos de sus magníficas películas. En todas y cada una de sus cintas podemos encontrar varias escenas preciosas tanto por sus imágenes como por su música. Hemos elegido este fragmento de "Chungking Express" con el tema "Dreams" interpretado por Faye Wong como muestra de su arte en este tipo de escenas:
http://www.youtube.com/watch?v=3hHznB-_Gbs
Otro de los grandes directores melómanos es originario de nuestro país, y no es otro que Pedro Almodóvar. El manchego es un reconocido fan de rancheras y boleros y los usa con gran maestría en sus películas. Por citar una entre muchas, veamos este fragmento (aunque precisamente en esta ocasion no se trata ni de un bolero ni de una ranchera) de "La ley del deseo", con el tema "Ne me quitte pas":
http://www.youtube.com/watch?v=OzYYOYypbz0
Los Hermanos Coen también podrían considerarse grandes melómanos gracias a multitud de escenas que se ven acompañadas de conocidas y pegadizas canciones que utilizan con una maestría a la altura de muy pocos. O si no, ¿como olvidar esta mítica escena de "El gran Lebowski" con un impresionante John Turturro bailando al son de los Gipsy Kings y su "Hotel California?
http://www.youtube.com/watch?v=EeqpXgrkg6k
Ya vamos a ir acabando, pero no sin antes recordar a dos directores que a pesar de no tener mucho que ver con los demás tienen también alguna que otra escena que podría meterse en el saco junto con las otras que hemos visto. Uno de ellos es David Lynch. El director norteamericano nos dejó esta fantástica escena en "Terciopelo azul" con música de Roy Orbison y su tema "In Dreams". No se la pierdan:
http://www.youtube.com/watch?v=5-DjluKLY14
El otro es una auténtica leyenda del mundo del celuloide, el gran Sergio Leone. A pesar de que es un director cuya actividad musical siempre ha estado ligada al genio Ennio Morriconne, en su obra maestra "Érase una vez en América" nos dejó esta joyita con Robert De Niro en video y "Yesterday" de los Beatles en el audio:
http://www.youtube.com/watch?v=TgGqdAAyJSQ
Y eso ha sido todo, esperamos que hayan disfrutado de este breve paseo cinematográfico y musical que nos ha sabido a poco, porque son muchísimos los directores y las escenas que se nos han quedado en el tintero. Pero no descartamos hacer un segundo artículo para seguir indagando en la música usada por los grandes directores. También pedimos disculpas por no poder ofrecer el video en el mismo blog si no el enlace, pero a causa de ciertos problemas técnicos nos ha sido imposible insertarlos.
Un saludo, y hasta la proxima.
Y
jueves, 16 de junio de 2011
lunes, 13 de junio de 2011
Película recomendada: Antes de la lluvia (1994 Milcho Manchevski)
El silencio se convertirá en la palabra mas fuerte jamás pronunciada.
Un joven monje macedonio con un voto de silencio esconde a una joven albanesa que esta perseguida por la comunidad cristiana.
Terrible historia magníficamente contada entre los silencios del joven, los susurros de terror de la muchacha y los tiros de los fanáticos cristianos.
Aunque camine a través del valle de las tinieblas, de la muerte no temeré al mal: porqué vos estáis conmigo.
El amor hace que el infierno parezca un lugar apacible.
Acto 2: caras
Los rostros de la barbarie humana, rostros que demuestran odio, miedo y a veces los dos sentimientos juntos.
La directora de una agencia de noticias vive una relación sentimental conflictiva con un fotógrafo de origen macedonio que decide volver a su país.
-Macedonia no es segura.
-Claro que lo es. Es el lugar en el que los bizantinos capturaron a 14.000 macedonios, les sacaron los ojos, y los devolvieron a casa ciegos. !28.000 ojos!
El director juega con los rostros, las miradas de angustia de sus personajes para dejarnos una segunda historia bien desconcertante. Como afecta la violencia, la guerra en la vida cotidiana de una pareja.
El tiempo no muere jamás, el circulo no se completa.
Acto 3: fotos
El mérito no es del fotógrafo, los modelos a retratar tienen tanto dolor en sus rostros, que a cualquiera que los fotografié parecerá un genio.
El fotógrafo de la segunda historia protagoniza la tercera, centrada en el regreso a su casa, dónde vivirá el horror de la guerra a través de la joven albanesa del primer episodio.
-Al final lo hice, tomé partido y mi cámara mató a ese hombre.
El director nos hace testigo de la barbarie, como un fotógrafo, nos convertimos en meros espectadores de la guerra de los balcanes y nos mete dentro con la dureza de sus imágenes y la claridad de sus diálogos.
-¿Y los cascos azules?
-Aparecerán la semana que viene, para enterrar a los muertos.
Disfruta de la guerra, saca fotos.
Dura, bella e imprescindible.
J
miércoles, 8 de junio de 2011
Película recomendada: Avaricia (1924)
Apología de la miseria humana
Cuando uno termina de ver esta obra maestra llamada "Avaricia" solo puede pensar dos cosas:
1) Menuda sesión de CINE con mayúsculas me he pegado
2) ¿Realmente hay gente tan miserable en el mundo?
Analicemos estas dos cuestiones una por una.
En primer lugar estamos ante una de las obras maestras más exageradamente grandes de la historia. Una película perfecta, con unas imágenes tan impactantes como revolucionarias, sin duda el señor Erich von Stroheim marcó unas pautas que décadas después podrían verse en infinidad de películas. Los actores están fenomenales, la película cuenta con una banda sonora exquisita y con cierto toque de simbolismo en algunas escenas, de hecho podemos encontrar hasta un poco de surrealismo en este portentoso film.
Era bastante escéptico a la hora de ver esta película, pues casi 4 horas de cine mudo no es precisamente una invitación apetecible para ver una película. Desde luego, eran chorradas. Hay tanto cine en "Avaricia", tanta calidad, tanta belleza que no se hace pesada (aunque parezca increible). Es una obra tan perfecta que no flaquea en nada, y desde luego no me arrepiento de haber visto esta genial versión reconstruida de 4 horas, desde luego menudo crimen lo que hicieron con esta obra de arte...
En segundo lugar, la película es una tremenda reflexión sobre la miseria del ser humano. "Avaricia" es una película con una historia tan real como retorcida. Es difícil pensar (al menos para mi) que puede haber personas como los protagonistas de esta película, pero tristemente los hay. Es increible la manera en que van evolucionando los personajes, corrompidos por el oro, seres decrépitos con el único afán de amasar una fortuna y hacer lo que sea para conservarla. Es impensable que alguien pueda llegar a ser tan miserable como los personajes de esta película, casi no puedo concebir en mi mente que existir gente así...
En definitiva, "Avaricia" de Erich von Stroheim es una película que ningún amante del cine que se precie puede dejar pasar, una película poderosa, magnífica, reflexiva y real, muy real... Tristemente real.
Y
1) Menuda sesión de CINE con mayúsculas me he pegado
2) ¿Realmente hay gente tan miserable en el mundo?
Analicemos estas dos cuestiones una por una.
En primer lugar estamos ante una de las obras maestras más exageradamente grandes de la historia. Una película perfecta, con unas imágenes tan impactantes como revolucionarias, sin duda el señor Erich von Stroheim marcó unas pautas que décadas después podrían verse en infinidad de películas. Los actores están fenomenales, la película cuenta con una banda sonora exquisita y con cierto toque de simbolismo en algunas escenas, de hecho podemos encontrar hasta un poco de surrealismo en este portentoso film.
Era bastante escéptico a la hora de ver esta película, pues casi 4 horas de cine mudo no es precisamente una invitación apetecible para ver una película. Desde luego, eran chorradas. Hay tanto cine en "Avaricia", tanta calidad, tanta belleza que no se hace pesada (aunque parezca increible). Es una obra tan perfecta que no flaquea en nada, y desde luego no me arrepiento de haber visto esta genial versión reconstruida de 4 horas, desde luego menudo crimen lo que hicieron con esta obra de arte...
En segundo lugar, la película es una tremenda reflexión sobre la miseria del ser humano. "Avaricia" es una película con una historia tan real como retorcida. Es difícil pensar (al menos para mi) que puede haber personas como los protagonistas de esta película, pero tristemente los hay. Es increible la manera en que van evolucionando los personajes, corrompidos por el oro, seres decrépitos con el único afán de amasar una fortuna y hacer lo que sea para conservarla. Es impensable que alguien pueda llegar a ser tan miserable como los personajes de esta película, casi no puedo concebir en mi mente que existir gente así...
En definitiva, "Avaricia" de Erich von Stroheim es una película que ningún amante del cine que se precie puede dejar pasar, una película poderosa, magnífica, reflexiva y real, muy real... Tristemente real.
Y
lunes, 6 de junio de 2011
The way (Emilio Estévez 2010)
The way es una película entretenida, si eres fan de Martin Sheen puede que incluso le perdones que sea un estúpido insoportable durante las dos horas que dura el film. Ahora bien, acabo de hacer el camino de Santiago, como Martin tambien empecé en St Jean Pied de Port y terminé en Compostela. Miles de anécdotas y personas han pasado este mes por mi vida y miles de lugares increíbles he visitado. Todo lo que significa esta mágica aventura no lo expresa del todo bien el film, se queda a medias, se queda a medias en mostrar la verdadera grandeza, esos maravillosos peregrinos que se ayudan en todo, en donde no existe diferencias de clases. Es como una especie de internet de la edad media, donde se conoce a personas con inquietudes, algunas que han tenido perdidas irrecuperables, otras buscando la meditación para poner en orden su vida o tomar una decisión importante y otras como yo, que se lo toma como un punto y aparte en donde una parte de mi se quedo en el camino y entro otra más fuerte e importante que ahora busca metas más ambiciosas.
Se queda a medio camino en eso, en donde el verdadero personaje interesante es un holandés con unos kilitos de más que tiene todo tipo de drogas, este holandés se convierte en el único personaje carismático del film, nada que ver con lo que te encuentras en el camino, donde van personajes maravillosos.
Se queda a medias en mostrar, el ambiente, los paisajes, la belleza de los lugares y la simpatía de sus autóctonos, que si te ven por mal camino paran el coche para decírtelo o abren las puertas de sus casas para darte agua.
Sus bellos paisajes, en donde conocí a una persona que en vez de fotografiarlos los dibujaba con una pequeña acuarela y captaba toda esa belleza y ese sentimiento que puede desprender ciertos lugares muy significativos que se van sucediendo día tras día, paso tras paso.
En definitiva, una película entretenida, bonita, y fácil de ver pero que no llega a ser nada más porque no arriesga en nada y se queda a medias en todo, no es la mejor película sobre el camino, porque el mismo camino es de película.
J
Se queda a medio camino en eso, en donde el verdadero personaje interesante es un holandés con unos kilitos de más que tiene todo tipo de drogas, este holandés se convierte en el único personaje carismático del film, nada que ver con lo que te encuentras en el camino, donde van personajes maravillosos.
Se queda a medias en mostrar, el ambiente, los paisajes, la belleza de los lugares y la simpatía de sus autóctonos, que si te ven por mal camino paran el coche para decírtelo o abren las puertas de sus casas para darte agua.
Sus bellos paisajes, en donde conocí a una persona que en vez de fotografiarlos los dibujaba con una pequeña acuarela y captaba toda esa belleza y ese sentimiento que puede desprender ciertos lugares muy significativos que se van sucediendo día tras día, paso tras paso.
En definitiva, una película entretenida, bonita, y fácil de ver pero que no llega a ser nada más porque no arriesga en nada y se queda a medias en todo, no es la mejor película sobre el camino, porque el mismo camino es de película.
J
jueves, 2 de junio de 2011
Wong Kar-Wai, un poeta visual
Hoy vamos hablar de uno de los directores orientales más influyenes de la actualidad, un auténtico poeta que con sus bellas imágenes y su acertado uso de la música es capaz de cautivar con su cine a millones de personas, sin duda uno de los mejores directores de la actualidad, hoy hablaremos del chino (criado en Hong Kong) Wong Kar-Wai. Pasemos pues a analizar la magnífica filmografía de este gran director:
Dos años más tarde, el director afincado en Hong Kong vuelve con una nueva película: Days of Being Wild. A diferencia que en su ópera prima en esta ocasión el director chino se adentra de lleno en el drama romántico y marca las pautas de lo que serán sus futuras películas. En esta ocasión Wong Kar-Wai nos narra la historia de un hombre seductor cuyo máximo deseo es conocer a su verdadera madre. Participan en el reparto grandes nombres del cine asiático como Leslie Cheung, Maggie Cheung, Andy Lau o Tony Leung. Esta cinta está considerada como la primera parte de una trilogía que se completará años más tarde con "In the Mood for Love" y "2046".
En 1994 Wong Kar-Wai vuelve a la carga con Ashes of Time. Para ello se inspira en la China medieval para dirigir un film wuxia cargado de bellas imágenes y espectaculares peleas de artes marciales. A pesar de lo atractivo que pueda parecer el film, probablemente es el largometraje menos bueno del director chino. Aunque es una buena película con una realización genial, el director deja muy claro que lo suyo son los dramas románticos. En este film encontramos actores típicos del cine de Wong como son Leslie Cheung y Tony Leung.
En ese mismo año Wong Kar-Wai rueda una segunda película: Chungking Express. Rodada nada más acabar "Ashes of time" y en muy poco tiempo, Wong Kar-Wai crea casi sin quere la que probablemente es su mejor película hasta la fecha. El director chino nos presenta dos historias independientes cargadas de romanticismo. La película es todo un éxito y es encumbrada especialmente por Quentin Tarantino, que se encarga de distribuirla en occidente. En el reparto se encuentran Tony Leung, Faye Wong y Takeshi Kaneshiro entre otros. Esta película marca el inicio de los éxitos de Wong Kar-Wai y es el film que le dará a conocer en occidente.
Al año siguiente el director criado en Hong Kong reaparece con Fallen Angels, film considerado una tercera historia de "Chungking Express" aunque en esta ocasión el relato se tiñe de un color más oscuro ya que, aunque también es un drama romántico, tiene claros tintes de thriller. Leon Lai y Takeshi Kaneshiro protagonizan esta turbia película en la que Wong Kar-Wai vuelve a demostrar el gran manejo de cámara y música que posee.
En 1997 Wong Kar-Wai dirige una de sus películas más exitosas y personales, film que le vale el galardón de mejor director en Cannes. Esa película no es otra que Happy Together, romántica historia de una pareja de homosexuales que viven su idilio en Argentina. Leslie Cheung y Tony Leung protagonizan este bello film que vuelve a cautivar a sus expectadores con sus magníficas imágenes. Con esta película parece que Wong Kar-Wai ha llegado a su madurez como cineasta, parece que no puede evolucionar más... ¿O si?
Tres años después el director chino cautiva a millones de espectadores con su película más bella y exitosa de su filmografía: In the Mood for Love. El director chino narra en esta ocasión una magnífica historia de amor entre un hombre y una mujer (ambos casados) que se enamoran perdidamente. Además de la belleza de sus imágenes y, una vez más, del acertado uso de la música del director, la película contiene además un genial pulso interpretativo entre Maggie Cheung y Tony Leung. Sin duda nos encontramos ante una de las mayores obras de arte del realizador afincado en Hong Kong y una de las grandes películas de la pasada década.
A estas alturas Wong Kar-Wai se ha ganado su público y estos esperan ansiosamente una nueva película del director chino. La espera dura cuatro largos años pero merece la pena. En 2046 Wong recupera el personaje encarnado por Tony Leung en "In the Mood for Love" y lo rodea de bellas actrices entre las que destacan Gong Li, Zhang Ziyi, Faye Wong y Maggie Cheung. El director narra las peripecias de un escritor en la habitación 2046 de un hotel y de las mujeres a las que conoce. La película combina el drama romántico con un cierto toque de ciencia ficción. Aunque no supera a su predecesora, "2046" es una magnífica película que deja satisfecho a sus fans.
Tras tres años de sequía Wong Kar-Wai rueda en 2007 su última película hasta la fecha: My Blueberry Nights. Sin duda nos encontramos ante su película más revolucionaria en cuanto a estética, pues el director cambia Hong Kong por los Estados Unidos y el reparto se compone por grandes actores occidentales. Decimos que es revolucionaria en cuanto a estética aunque el uso de las imágenes es el mismo y el uso de la música es similar. El film está protagonizado por la cantante Norah Jones a la que acompañan Jude Law, Natalie Portman y Rachel Weisz entre otros y narra en clave de road movie el viaje de una jóven que intenta reconstruir su vida tras una mala experiencia amorosa. Una gran película que sirve sobre todo para atraer aún más al público de occidente, cosa que consigue de inmediato.
Grande entre los grandes, Wong Kar-Wai se ha hecho un hueco entre los mejores realizadores de Asia en la actualidad y uno de los directores que mejor manejan la cámara y la música. Un director interesante que no está de más que conozcan. Ya conocen su obra, ahora solo queda que la vean.
Y
Los inicios de Wong Kar-Wai en la dirección se remontan a 1988 cuando realiza su primer film: As Tears go By. El director chino nos adentra en los bajos fondos hongkoneses para narrarnos una turbia historia sobre el mundo de las mafias orientales. A pesar de que es un thriller esta cinta deja entrever lo que será el cine de Wong Kar-Wai en el futuro pues, aunque se trata de una película de acción, el director chino da mucha importancia a las relaciones amorosas, tal y como se comprobará en sus siguientes films, pues ante todo, Wong es un gran realizador de dramas románticos. Destaca en el reparto de este primer largometraje una de sus musas, Maggie Cheung, y de Andy Lau.
Dos años más tarde, el director afincado en Hong Kong vuelve con una nueva película: Days of Being Wild. A diferencia que en su ópera prima en esta ocasión el director chino se adentra de lleno en el drama romántico y marca las pautas de lo que serán sus futuras películas. En esta ocasión Wong Kar-Wai nos narra la historia de un hombre seductor cuyo máximo deseo es conocer a su verdadera madre. Participan en el reparto grandes nombres del cine asiático como Leslie Cheung, Maggie Cheung, Andy Lau o Tony Leung. Esta cinta está considerada como la primera parte de una trilogía que se completará años más tarde con "In the Mood for Love" y "2046".En 1994 Wong Kar-Wai vuelve a la carga con Ashes of Time. Para ello se inspira en la China medieval para dirigir un film wuxia cargado de bellas imágenes y espectaculares peleas de artes marciales. A pesar de lo atractivo que pueda parecer el film, probablemente es el largometraje menos bueno del director chino. Aunque es una buena película con una realización genial, el director deja muy claro que lo suyo son los dramas románticos. En este film encontramos actores típicos del cine de Wong como son Leslie Cheung y Tony Leung.
En ese mismo año Wong Kar-Wai rueda una segunda película: Chungking Express. Rodada nada más acabar "Ashes of time" y en muy poco tiempo, Wong Kar-Wai crea casi sin quere la que probablemente es su mejor película hasta la fecha. El director chino nos presenta dos historias independientes cargadas de romanticismo. La película es todo un éxito y es encumbrada especialmente por Quentin Tarantino, que se encarga de distribuirla en occidente. En el reparto se encuentran Tony Leung, Faye Wong y Takeshi Kaneshiro entre otros. Esta película marca el inicio de los éxitos de Wong Kar-Wai y es el film que le dará a conocer en occidente.
En 1997 Wong Kar-Wai dirige una de sus películas más exitosas y personales, film que le vale el galardón de mejor director en Cannes. Esa película no es otra que Happy Together, romántica historia de una pareja de homosexuales que viven su idilio en Argentina. Leslie Cheung y Tony Leung protagonizan este bello film que vuelve a cautivar a sus expectadores con sus magníficas imágenes. Con esta película parece que Wong Kar-Wai ha llegado a su madurez como cineasta, parece que no puede evolucionar más... ¿O si?
Tres años después el director chino cautiva a millones de espectadores con su película más bella y exitosa de su filmografía: In the Mood for Love. El director chino narra en esta ocasión una magnífica historia de amor entre un hombre y una mujer (ambos casados) que se enamoran perdidamente. Además de la belleza de sus imágenes y, una vez más, del acertado uso de la música del director, la película contiene además un genial pulso interpretativo entre Maggie Cheung y Tony Leung. Sin duda nos encontramos ante una de las mayores obras de arte del realizador afincado en Hong Kong y una de las grandes películas de la pasada década.A estas alturas Wong Kar-Wai se ha ganado su público y estos esperan ansiosamente una nueva película del director chino. La espera dura cuatro largos años pero merece la pena. En 2046 Wong recupera el personaje encarnado por Tony Leung en "In the Mood for Love" y lo rodea de bellas actrices entre las que destacan Gong Li, Zhang Ziyi, Faye Wong y Maggie Cheung. El director narra las peripecias de un escritor en la habitación 2046 de un hotel y de las mujeres a las que conoce. La película combina el drama romántico con un cierto toque de ciencia ficción. Aunque no supera a su predecesora, "2046" es una magnífica película que deja satisfecho a sus fans.
Tras tres años de sequía Wong Kar-Wai rueda en 2007 su última película hasta la fecha: My Blueberry Nights. Sin duda nos encontramos ante su película más revolucionaria en cuanto a estética, pues el director cambia Hong Kong por los Estados Unidos y el reparto se compone por grandes actores occidentales. Decimos que es revolucionaria en cuanto a estética aunque el uso de las imágenes es el mismo y el uso de la música es similar. El film está protagonizado por la cantante Norah Jones a la que acompañan Jude Law, Natalie Portman y Rachel Weisz entre otros y narra en clave de road movie el viaje de una jóven que intenta reconstruir su vida tras una mala experiencia amorosa. Una gran película que sirve sobre todo para atraer aún más al público de occidente, cosa que consigue de inmediato.Grande entre los grandes, Wong Kar-Wai se ha hecho un hueco entre los mejores realizadores de Asia en la actualidad y uno de los directores que mejor manejan la cámara y la música. Un director interesante que no está de más que conozcan. Ya conocen su obra, ahora solo queda que la vean.
Y
jueves, 26 de mayo de 2011
Película recomendada: Samurai Rebellion (1967)
Rebelde con mucha, mucha causa
Con "Samurai Rebellion" el japonés Masaki Kobayashi nos presenta la que probablemente es la mejor película de samurais de la historia junto con "Harakiri", también de Kobayashi, y "Los siete samurais " de Akira Kurosawa. Una película imprescindible en el cine clásico nipón.
Kobayashi nos muestra una visión muy particular del Japón del siglo XVIII, donde una familia vasalla de un clan debe enfrentarse al mismo por recobrar la dignidad y hacer frente a las injusticias. Un auténtico alegato a luchar por lo que uno crea justo aunque ello implique enfrentarse a un ente más poderoso, porque en esta vida hay que luchar por lo que es justo, y si se cometen injusticas hacia nuestra persona sin motivo alguno, no nos queda más remedio que blandir nuestra katana y luchar.
Como de costumbre el gran Tôshiro Mifune está impresionante. Pocos actores he visto que tengan una puesta en escena tan grande y una mirada más profunda e intimidatoria que la de el actor japonés. Además le acompaña en el reparto haciendo un papel secundario otra leyenda del cine oriental como es Tatsuya Nakadai. También es reseñable la labor de la bella Yôko Tsukasa.
La película cuenta con una fotografía impresionante, y Kobayashi utiliza la cámara magistralmente. Algunos planos son realmente dignos de alabanza por la belleza y la profundidad que evocan.
El film bien podría dividirse en dos partes, una primera que nos muestra las peripecias de una familia vasalla que acepta con sumisión los antojos del señor del clan y una segunda en la que la familia decide rebelarse por las injusticias cometidas. La primera parte de la película puede hacerse quizás un poco lenta debido a que parece que no está pasando nada, pero no es así, pues es en esta parte donde se origina el motivo de la rebelión y las causas de la misma, para luego estallar en una segunda parte trepidante y llena de acción, sangre y sobre todo mucha belleza.
En resumidas cuentas "Samurai Rebellion" no es una película más de samurais, es una cinta sobre la lucha incansable de unas personas que prefieren correr el riesgo de morir antes que agachar la cabeza y soportar los abusos de un tirano, una película sobre el amor, la justicia, la dignidad, el honor, pero sobre todo sobre el coraje y el valor. No se la pierdan.
Y
Kobayashi nos muestra una visión muy particular del Japón del siglo XVIII, donde una familia vasalla de un clan debe enfrentarse al mismo por recobrar la dignidad y hacer frente a las injusticias. Un auténtico alegato a luchar por lo que uno crea justo aunque ello implique enfrentarse a un ente más poderoso, porque en esta vida hay que luchar por lo que es justo, y si se cometen injusticas hacia nuestra persona sin motivo alguno, no nos queda más remedio que blandir nuestra katana y luchar.
Como de costumbre el gran Tôshiro Mifune está impresionante. Pocos actores he visto que tengan una puesta en escena tan grande y una mirada más profunda e intimidatoria que la de el actor japonés. Además le acompaña en el reparto haciendo un papel secundario otra leyenda del cine oriental como es Tatsuya Nakadai. También es reseñable la labor de la bella Yôko Tsukasa.
La película cuenta con una fotografía impresionante, y Kobayashi utiliza la cámara magistralmente. Algunos planos son realmente dignos de alabanza por la belleza y la profundidad que evocan.
El film bien podría dividirse en dos partes, una primera que nos muestra las peripecias de una familia vasalla que acepta con sumisión los antojos del señor del clan y una segunda en la que la familia decide rebelarse por las injusticias cometidas. La primera parte de la película puede hacerse quizás un poco lenta debido a que parece que no está pasando nada, pero no es así, pues es en esta parte donde se origina el motivo de la rebelión y las causas de la misma, para luego estallar en una segunda parte trepidante y llena de acción, sangre y sobre todo mucha belleza.
En resumidas cuentas "Samurai Rebellion" no es una película más de samurais, es una cinta sobre la lucha incansable de unas personas que prefieren correr el riesgo de morir antes que agachar la cabeza y soportar los abusos de un tirano, una película sobre el amor, la justicia, la dignidad, el honor, pero sobre todo sobre el coraje y el valor. No se la pierdan.
Y
jueves, 19 de mayo de 2011
Película recomendada: La tumba de las luciérnagas (1988)
Los dibujos son para críos...
Y
Me repatea oir esa frase. La mayoría de seres ineptos e incultos que pueblan este mundo piensan (aunque desde luego la palabra "pensar" les viene muy grande) que las películas de animación (o de dibujitos como dicen algunos) son para niños. A estos "entendidos" me gustaría recomendarles que viesen "La tumba de las luciérnagas".
Estamos ante la que probablemente sea a la vez la película de animación más grande que he visto jamás (y he visto muchas) y al mismo tiempo uno de los relatos más secos, crudos y sobrecogedores que se han hecho nunca. Un film muy difícil de ver, quizás muchos no puedan aguantarlo entero, porque desde luego la película no es para todo el mundo. "La tumba de las luciérnagas" es ante todo la simbiosis perfecta entre la belleza y el dolor: la belleza de unos hermanos que se quieren y que hacen lo posible por sobrevivir, y el dolor provocado por las consecuencias de una guerra inútil y estúpida.
Esta película me ha dado bastante que pensar en lo diferente que es el cine de animación japonés (bueno, y todo el cine en general) del cine de animación occidental. ¿Se imaginan este film hecho por Disney? Desde luego sería totalmente opuesto al creado por Takahata... Pero que nadie me malinterprete, no tengo nada contra la Disney. Al contrario, me parece que la factoría del ratón Mickey tiene grandes títulos (algunos son joyas en mi opinión) con los que he crecido y he disfrutado durante años. Pero bien es cierto que el suministro de cine animado que nos proporciona la entidad norteamericana poco tiene que ver con la que llega de oriente. En esta película no hay grandes héroes, ni princesas, ni animales parlantes, ni canciones repetitivas, ni siquiera un vil villano, tampoco hay happy ending... No, en "La tumba de las luciérnagas" hay crudeza, hay dolor, hay sufrimiento, hay belleza, hay amor, hay esperanza, y hay lágrimas... En mi opinión, y espero que no se me malinterprete, esta película es un auténtico puñetazo a la mandíbula a la Disney.
La factoría del tito Walt nos hace soñar, nos hace vivir emocionantes aventuras llenas de acción, comedia, música y amor, nos hace sentirnos niños otra vez y nos transporta a una nube donde todo es posible y todo es felicidad... Luego llega Isao Takahata con su película y nos despierta de ese sueño con un cubo de agua helada... Abrimos los ojos y ahí lo tenemos, el mundo tal y como es, con sus guerras y sus hambrunas.
Esta película es de obligada visión para todo aquel que se considere un buen amante del séptimo arte y más aún si es seguidor de cine de animación. Véanla si aún no lo han hecho, marcará un antes y un después a la hora de ver cine de "dibujitos". A mi me ha pasado.
Estamos ante la que probablemente sea a la vez la película de animación más grande que he visto jamás (y he visto muchas) y al mismo tiempo uno de los relatos más secos, crudos y sobrecogedores que se han hecho nunca. Un film muy difícil de ver, quizás muchos no puedan aguantarlo entero, porque desde luego la película no es para todo el mundo. "La tumba de las luciérnagas" es ante todo la simbiosis perfecta entre la belleza y el dolor: la belleza de unos hermanos que se quieren y que hacen lo posible por sobrevivir, y el dolor provocado por las consecuencias de una guerra inútil y estúpida.
Esta película me ha dado bastante que pensar en lo diferente que es el cine de animación japonés (bueno, y todo el cine en general) del cine de animación occidental. ¿Se imaginan este film hecho por Disney? Desde luego sería totalmente opuesto al creado por Takahata... Pero que nadie me malinterprete, no tengo nada contra la Disney. Al contrario, me parece que la factoría del ratón Mickey tiene grandes títulos (algunos son joyas en mi opinión) con los que he crecido y he disfrutado durante años. Pero bien es cierto que el suministro de cine animado que nos proporciona la entidad norteamericana poco tiene que ver con la que llega de oriente. En esta película no hay grandes héroes, ni princesas, ni animales parlantes, ni canciones repetitivas, ni siquiera un vil villano, tampoco hay happy ending... No, en "La tumba de las luciérnagas" hay crudeza, hay dolor, hay sufrimiento, hay belleza, hay amor, hay esperanza, y hay lágrimas... En mi opinión, y espero que no se me malinterprete, esta película es un auténtico puñetazo a la mandíbula a la Disney.
La factoría del tito Walt nos hace soñar, nos hace vivir emocionantes aventuras llenas de acción, comedia, música y amor, nos hace sentirnos niños otra vez y nos transporta a una nube donde todo es posible y todo es felicidad... Luego llega Isao Takahata con su película y nos despierta de ese sueño con un cubo de agua helada... Abrimos los ojos y ahí lo tenemos, el mundo tal y como es, con sus guerras y sus hambrunas.
Esta película es de obligada visión para todo aquel que se considere un buen amante del séptimo arte y más aún si es seguidor de cine de animación. Véanla si aún no lo han hecho, marcará un antes y un después a la hora de ver cine de "dibujitos". A mi me ha pasado.
Y
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